Billy Butterfield a 108 años de su natalicio.

 

Charles William Butterfield​ nació el 14 de enero de 1917 en Middletown, Ohio y estudió secundaria en Wyoming.​ Comenzó a estudiar medicina en el Transylvania College, aunque prefirió dedicarse a la música, formándose como cornetista junto a Frank Simon. Alternó estos estudios hasta que alcanzó el éxito como trompetista.

Carrera profesional

Comenzó su carrera profesional formando parte de la banda de Austin Wylie. Posteriormente trabajó junto a Bob Crosby (1937–1940), Artie Shaw, Les Brown y Benny Goodman.

Con la banda de Bob Crosby, ocupó inicialmente el puesto de tercer trompetista, detrás de los legendarios Charlie Spivak y Yank Lawson. Cuando estos dejaron la formación para marcharse a la banda de Tommy Dorsey en 1938, Butterfield tuvo la oportunidad de interpretar como solista el tema escrito por Bob Haggart, bajista de la banda de Crosby, titulado inicialmente "I'm Free." Posteriormente a la canción se le añadió una letra pasando a ser conocida como "What's New?", convirtiéndose en un clásico de jazz. La versión de Crosby, con una brillante interpretación de Butterfield, es considerada como una de las principales grabaciones de la era de las Big Bands.

El 7 de octubre de 1940, durante una colaboración con la orquesta de Artie Shaw, Butterfield interpretó lo que fue descrito como un "legendario solo de trompeta" en el exitoso tema "Star Dust". Fue también solista destacado en el grupo Gramercy Five, formado por Shaw. Entre 1943 y 1947, interrumpió su carrera musical para incorporarse al Ejército de los Estados Unidos. Tras finalizar su servicio, Butterfield formó su propia orquesta. El 20 de septiembre de 1944, Capitol Records grabó el estándar de jazz "Moonlight In Vermont", con la voz de Margaret Whiting y los solos de trompeta de Butterfield.

Butterfield grabó dos álbumes dirigidos por el arreglista Ray Conniff, Conniff Meets Butterfield5​ (1959) y Just Kiddin' Around (1962). Posteriormente grabó dos álbumes más para Columbia Records.

Desde finales de los años 60 hasta su fallecimiento en 1988, Butterfield formó parte de la World's Greatest Jazz Band, fundada por los antiguos miembros de la banda de Crosby, Yank Lawson y Bob Haggart.​ También colaboró como invitado, de manera individual, con numerosas bandas, participando además en diversos festivales de jazz.

Butterfield tuvo una aparición en la película Second Chorus (1940) como miembro de la banda de Artie Shaw.

Casado con la cantante Dotty Dare Smith,6​ Butterfield falleció el 18 de marzo de 1988, en North Palm Beach, Florida, a los 71 años de edad.

Discografía

Stardusting (Capitol, 1950)

Billy Butterfield (1955)

New York Land Dixie (1955)

They're Playing Our Song (RCA, 1956)

Session at Riverside (Capitol, 1957)

Songs Bix Beiderbecke Played (Epic, 1969)

With Ted Easton's Jazzband (Circle, 1975)

Watch What Happens (Jazzology, 1977)

Swinging at the Elks (Fat Cat Jazz, 1978)

You Can Depend on Me (Fat Cat Jazz, 1980)

Just Friends (Jazzology, 1982)

The Incomparable Butterfield Horn (Fat Cat Jazz, 2002)

Recipe for Romance (Collectors' Choice Music, 2003)

Soft Strut (Fresh Sound, 2004)

What Is There to Say (Jasmine, 2005)7​

Con Buck Clayton

All the Cats Join In (Columbia, 1956)

Coleman Hawkins a 120 años de su natalicio.

 

Los primeros y mas fundamentales capítulos de la historia del saxofón tenor en jazz fueron escritos de puño y letra por Coleman Hawkins (San José, Misuri, 21 de noviembre de 1904 – Nueva York, 19 de mayo de 1969). Ello fue fruto de una larga y concienzuda evolución de un instrumento que adaptó perfectamente para el lenguaje musical del jazz. Su familia era de clase acomodada y desde niño comenzó  estudiar piano. Con siete años estudió violonchelo y con nueve comenzó a aprender a tocar el saxo tenor, un instrumento que entonces no era utilizado en el jazz y que en las orquestas comerciales se tocaba con una técnica que recordaba demasiado a la de los músicos de circo. En esa época inicia en el «Washburn College» de Kansas City, estudios de música clásica que completará en Chicago, ciudad a la que se trasladará con su familia en 1919 y donde tiene la oportunidad de oír por primera vez jazz.

Debuta profesionalmente en 1920 en una orquesta de la región de Kansas City, y al año siguiente es contratado por la famosa cantante de blues, Mamie Smith, que solía tener en su grupo músicos de altísima calidad como Buster Bailey, Sydney Bechet, o Bubber Miley. Con ella llegará a New York y grabará su primer disco y empieza a darse a conocer en los círculos jazzísticos de la gran manzana. En 1923, entra a formar parte de la orquesta de Fletcher Henderson, que con él en sus filas y la incorporación el año siguiente de un jovencísimo, Louis Armstrong, se convertiría en la primera bigband de toda la historia y en la que Hawkins permanecería once largos y magníficos años hasta hacer de  esa orquesta la mejor de su época.

En 1934, Coleman Hawkins, deja la banda de Henderson y se marcha a Europa y en Inglaterra firma un jugoso contrato con la orquesta de Jack Hylton. Es expulsado de la Alemania nazi por el color de su piel y se recluye en Holanda primero y después en Francia grabando en Paris discos con músicos locales y coincidiendo con su amigo Benny Carter, que también se había desplazado a la vieja Europa. En 1939 regresa a los Estados Unidos donde encuentra que sus viejos discípulos están pisando fuerte en la escena jazzística y donde conoce por primera vez a un saxofonista de Kansas que empieza hacerle sombra. Se llamaba Lester Young y se destacaba entre los demás saxofonistas, por poner en práctica un estilo distinto al suyo por primera vez en veinte años. Hawkins, monta su propia orquesta y graba el histórico tema: «Body and Soul» uno de los grandes estándares de jazz desde entonces y que significará su consagración definitiva como uno de los grandes creadores del jazz. A partir de ese momento, se le empieza a conocer como el «padre del saxofón tenor».

Disolvió su bigband en 1941 y trabajó con grupos mas pequeños. En la segunda mitad de los años cuarenta, será una de las estrellas del «Jazz at the Philarmonic», la organización musical creada por Norman Granz, que se encargaría de llevar el jazz a todos los rincones del mundo. Entre sus registros destaca la colaboración con Roy Eldridge y Oscar Peterson, en los años cincuenta y dejó grabados algunos discos extraordinarios como los titulados: «The Genius of Coleman Hawkins» (Verve 1957) o el espléndido «High and Mighty Hawk»también para Verve en 1958. En 1962 graba un disco memorable con Duke Ellington»: «Duke Ellington meets Coleman Hawkins» (Impulse!) y en 1966, graba el ultimo disco de su vida «Sirius» (Pablo) pues a partir de esa fecha su salud empieza a jugarle una mala pasada falleciendo tres años después víctima de una pulmonía, el 19 de mayo de 1969 en el hospital Wickersham de New York.

Con el desapareció el hombre que fue al saxo tenor, lo que Louis Armstrong a la trompeta: el inventor de las primeras y por consiguiente, mas importantes reglas músico-instrumentales, que determinarían la configuración, concepto y lenguaje del saxofón tenor en el jazz de todos los tiempos.

El rosarino Santos Lispeker nacía hace 106 años.

 

Santos Lispeker nacio en Rosario el 10 de octubre de 1918. Sus padres, inmigrantes llegados de Odessa, tuvieron seis hijos varones. Todos fueron músicos, aunque dos de ellos no actuaron profesionalmente. Félix fue un bandoneonista de depurada técnica, que debutó directamente como primer violín de la orquesta de Julio de Caro; se dedicó a la enseñanza y la investigación de métodos innovadores para la ejecución de este instrumento. León, conocido como Leo, se destacó especialmente como violinista. Se inició también con Julio de Caro, y luego actuó con Pedro Maffia, Miguel Caló y la orquesta de Jazz de Barry Moral. Jaime, apodado Freddy, gran contrabajista que tocó con Vlady, Julio Gutiérrez, Waldo de los Ríos, Lucio Milena, Horacio Malvicino y una larga lista de agrupaciones.

Santos demostró desde niño una gran facilidad para la música y un oído privilegiado, que le permitió ejecutar varios instrumentos cuya técnica dominó sin realizar estudios formales. Se inició como clarinetista en grupos infantiles y a los doce años se sumó a la orquesta característica Paladini-Romano. Comenzó a tocar bandoneón, y por recomendación de Homero Manzi ingresó junto con Leo en la orquesta de Pedro Maffia en 1937. En la década del 40 comenzó a dedicarse al Jazz, a partir de su incorporación a la orquesta que dirigía el saxofonista Sam Liberman en el Palermo Palace. Alternó el clarinete con el saxo tenor, hasta que se dedicó más a este último. 

Pasó por varias orquestas: Rudy Ayala, Roberto Césari, Luis Rolero, los Cotton Pickers de Ahmed Ratip, Eduardo Armani, la Jazz Casino, Rudy Machado, y además fue continuamente requerido para reemplazos de último momento por su facilidad para adaptarse a los distintos arreglos. En la década del 50 fue director de la orquesta estable de Radio El Mundo, y a partir de la inauguración de Canal 9 realizó allí la misma función por varios años, en los que fue también productor y director artístico del sello Phonogram.

A lo largo de su carrera creó decenas de agrupaciones con diversos seudónimos: André y su conjunto, dedicada fundamentalmente al tango y el folklore, con músicos de la talla de Ubaldo de Lío, Dante Amicarelli y otros; Vincent Morocco y su orquesta; Conjunto Maracangalha, con excelentes versiones de temas brasileños; Los Soldaditos de Johnny, excelente grupo de Jazz; Los Tururú Serenaders; Apache; G. G. Y SUS GO-GO, con un hermoso LP "Boleros A Go-Gó"; Orquesta Estudio A; MATHIAS Y SU SAXO, con un gran suceso con su versión de "Playas Somnolientas"; CUARTETO LOS PORTEÑITOS; LOS CLAUDIOS; la orquesta característica GASPARIN Y SU CONJUNTO; ROY BAXTER Y SU QUINTETO; VALENTINO Y SU TROPICAL BAND; RONALD BONN; TABAC'S MUSICUM; GEORGE BEST; GASTON Y SU CONJUNTO; L. S. Y SU CONJUNTO; BANDA ESPAÑA; MECHICOLO; LAFUENTE Y SU CONJUNTO; PASCAL VALENTI; JEAN PIERRE; ORQUESTA LOS MADRILEÑOS; LOS CANDOMBEROS; DON PANCHO; DON LUCHO Y SU CONJUNTO RITMOS DE AMERICA; LOS DIABLOS; LOS 7 ASES DEL RITMO; MARIMBA SONORA; LOS QUERUBINES; THE ROCKERS; CHICO MENDOZA; TRIO BALVANERA. 

Fue compositor de cientos de temas: varios tangos ("Bolero", gran éxito en la voz de Roberto Chanel con la orquesta de Osvaldo Pugliese, "Codicia", "Sinfonía de Arrabal"); el "Divito Boogie", homenaje al creador de "Rico Tipo" que interpretaban los Cotton Pickers; boleros y cumbias; temas nuevaoleros como "Total Para Qué" y los infaltables éxitos para Carnaval; también de la marcha oficial de Boca Juniors. Rockolafree. 

Su vida física se apagó el 30 de junio de 1978.

✍🏻 El Intencionado

Thelonious Monk: A 107 años de su nacimiento.

 

Thelonious Monk nació en Rocky Mount, Carolina del Norte, el 10 de octubre de 1917 y fue un excelso pianista y compositor de jazz.

Su estilo interpretativo y compositivo, formado plenamente en 1947, apenas varió en los 25 años siguientes. Pianista fundador del bebop, tocó también bajo el influjo del hard bop y del jazz modal. Es conocido por su estilo único de improvisación, así como por haber compuesto varios estándares de jazz como "'Round Midnight", "Straight No Chaser", "52nd Street Theme" y "Blue Monk". Monk es el segundo compositor de jazz con más grabaciones después de Duke Ellington.​

Las composiciones e improvisaciones de Monk presentan disonancias y giros melódicos angulares y son coherentes con su aproximación poco ortodoxa del piano, que combinaba un ataque altamente percusivo con un uso abrupto y dramático de la liberación de teclas cambiadas, silencios y vacilaciones.

Monk era conocido por su aspecto distintivo, que incluía trajes, sombreros y gafas de sol. También era conocido por un hábito idiosincrásico durante sus presentaciones: mientras otros músicos seguían tocando, Monk se detenía, se levantaba y bailaba durante unos momentos antes de volver al piano.

Monk es uno de los cinco músicos de jazz que han aparecido en la portada de la revista Time (los otros son Louis Armstrong, Dave Brubeck, Duke Ellington y Wynton Marsalis).​

Partió a la vida real en Weehawken, Nueva Jersey, el 17 de febrero de 1982, víctima de un derrame cerebral. Sus restos están enterrados en el cementerio de Ferncliff, en Hartsdale, Nueva York.

✍🏻 El Intencionado

Lennie Tristano: A 105 años de su nacimiento.

 

Nacido en el seno de una familia de inmigrados italianos, el compositor y pianista, Lennie Tristano, (Chicago, 19 de marzo de 1919 – Nueva York, 18 de noviembre de 1978), tuvo una infancia marcada por una grave enfermedad congénita en los ojos, que le provocó una ceguera total a los nueve años de edad. Matriculado en una escuela para invidentes, allí recibió sus primeras nociones musicales aprendiendo el manejo de media docena de instrumentos. Recomendado por su profesor al «American Conservatory» de Chicago, Tristano, consiguió el titulo en 1941.

Su inclinación hacia el jazz, en vez de a la música clásica, fue por la necesidad de hacer dinero y también, como no, por el efecto que causo en él la música de Duke Ellington y otros pianistas importantes del jazz. En 1942, firmó su primer contrato profesional para tocar el saxo y el clarinete en el «Winkin’ Pub» de Chicago. En esos primeros tiempos, su técnica individual era extraordinaria y en 1944, era capaz ya de interpretar con eficacia cualquier tema de Art Tatum. El debut discográfico de Lennie Tristano, fue en 1945-1946 con una sesion de piano solo para el sello Emarcy titulado «Holiday in Piano» y cuya salida al mercado fue una autentica sensación.

Sus siguientes trabajos para el sello Capitol, ya a finales de la década de los cuarenta, fueron su respaldo definitivo en el mundo del jazz y su nombre se asociaba al piano moderno de jazz a imagen y semejanza de lo que era Charlie Parker en el saxo alto. Sus temas: «Wow», «Crosscurrents» y «Marionette» constituyeron un hito en la historia del jazz, por su complejidad  y su modernidad. Su música y el momento histórico en que se gestó, provocó que se le asociara con el denominado estilo cool, algo que Tristano siempre rechazó. Su escasa discografía está repleta de grandes obras maestras, y siempre rechazó cualquier veleidad de comercializar su música y los intentos de su casa discográfica para vender mejor su música.

En 1947, junto al guitarrista,  Billy Bauer y con el contrabajista, Arnold Fishkin,  formó su primer trío jazzístico debutando en el «Three Deuces» de New York. En 1949 y 1950, Tristano participó en las grabaciones de los músicos vencedores en el famoso referéndum de la revista «Metronome» y al año siguiente fundo su propia casa de discos, «Jazz Records» a la que solo aportó dos nuevos discos. Los años siguientes fueron años de sequía que solo fueron interrumpidos brevemente para participar esporádicamente en conciertos en New York, Chicago, Boston, Washington y Montreal. En 1955, vuelve a grabar con Atlantic y graba otra de sus obras maestras con el tema «Réquiem» en homenaje a Charlie Parker.

Esa vuelta a los estudios de Atlantic descubrió un pianista mas incisivo respecto a pasados trabajos y una creciente libertad arquitectónica. En 1962 graba tras un silencio prolongado otro disco para Atlantic y su música nuevamente se nota mas avanzada en su estructura rítmica. En 1965 realizó una gira por Europa muy aplaudida y a la vuelta a los Estados Unidos tomó la decisión de retirarse, cuestión que solo rompió en un par de ocasiones para presentar en sociedad a nuevos discípulos suyos y en un concierto aislado en 1969 en Leeds, en Inglaterra, que fue el último de su vida. Ni las presiones de los productores discográficos, ni la insistencia de la prensa en entrevistarle fueron suficientes para sacarle del ostracismo publico que eligió, y falleció en plena actividad docente en su casa de Queens en New York.

Tras su desaparición física, sus alumnos decidieron continuar con la actividad en su escuela de jazz y revitalizar su sello discográfico. Un merecido homenaje a Lennie Tristano, uno de los grandes pianistas del jazz moderno.

Hace 120 años nacía Jimmy Dorsey.

 

Jimmy Dorsey nació en Shenandoah, Pensilvania, el 29 de febrero de 1904 y fue un destacado líder de big band, compositor, clarinetista, saxofonista y trompetista de nacionalidad estadounidense, conocido por componer los temas I'm Glad There is You (In This World of Ordinary People) y It's the Dreamer in Me.

Su nombre completo era James Francis Dorsey, siendo también conocido como "JD", y nació en Shenandoah, Pensilvania. Era hijo de un profesor de música y hermano mayor de Tommy Dorsey, que también fue un destacado músico. De joven tocaba la trompeta y ya actuaba en el vodevil en 1913. En 1915 pasó a tocar saxofón alto, aprendiendo posteriormente el clarinete. Jimmy Dorsey tocaba un clarinete dotado de un sistema de llaves Albert, en contra del habitual sistema Boehm utilizado por la mayoría de sus contemporáneos, entre ellos Benny Goodman y Artie Shaw.

Con su hermano Tommy al trombón, formó los Dorsey’s Novelty Six, una de las primeras bandas de jazz que tocaron para la radio. En 1924 entró a formar parte de los California Ramblers (con base en Nueva York). En la década de 1920 trabajó para la radio y para los estudios de grabación como artista independiente. Los hermanos actuaron también como músicos de sesión en muchas grabaciones de jazz, y en 1930 Dorsey entró en la banda de Ted Lewis haciendo una gira con la formación por Europa.

Tras volver a los Estados Unidos trabajó brevemente con Rudy Vallee y otros líderes de banda, además de con la Orquesta Dorsey Brothers, junto a Tommy.

En sus primeros años como músico, Jimmy Dorsey actuó con variados grupos y artistas, entre ellos los Scranton Sirens, The California Ramblers, Red Nichols, Jean Goldkette, Ben Pollack, Fred Rich y Paul Whiteman.

El primer gran éxito de Jimmy Dorsey fue "You Let Me Down", de 1935. Su banda estaba más orientada al jazz que la de su hermano, y se dedicó a la grabación de algunos clásicos instrumentales del swing: Dorsey Stomp, Tap Dancer's Nightmare, Parade of the Milk Bottle Caps, John Silver, y Dusk in Upper Sandusky. La formación actuó en el show radiofónico de Bing Crosby Kraft Music Hall. En esos años participó en al menos 75 programas radiofónicos (muchos con su hermano), en varios de ellos formando parte de la orquesta de Nathaniel Shilkret. A causa de una disputa musical con su hermano, Tommy formó en 1935 su propia banda trabajando para RCA Victor, por lo cual la orquesta Dorsey Brothers pasó a ser la Orquesta Jimmy Dorsey, incluyendo entre sus miembros a músicos de la talla de Bobby Byrne, Ray McKinley, y Skeets Herfurt, además de los vocalistas Bob Eberly y Kay Weber. En este período, Jimmy Dorsey permaneció con Decca Records.

En 1939 Dorsey contrató a Helen O'Connell como cantante. Ella y Eberly cantaron a dúo varios de los más grandes éxitos de la formación. Muchas de las grabaciones de Eberly-O'Connell se editaron en un inusual formato en tres secciones. Ese formato se desarrolló a instancias de un productor de grabación que quería que ambos cantantes y la banda en pleno aparecieran en una única grabación de tres minutos (78 rpm) de duración. Eberly cantaba el primer minuto, usualmente como una balada romántica, el siguiente tocaba la banda en pleno con el respaldo del saxofón de Dorsey, y el último minuto era cantado por O'Connell en un estilo más vivaz, a veces con letras en español. Casi todos los temas editados entre 1939 y 1943 fueron grandes éxitos, especialmente aquellos de sabor latino como los temas Green Eyes (Aquellos Ojos Verdes), Amapola, Tangerine, Yours (Quiéreme Mucho), y Maria Elena.

A partir de 1944, la primera esposa de Jerry Lewis, Patti Palmer, cantó con la orquesta de Dorsey, aunque permaneció en la misma menos de un año.

Jimmy Dorsey continuó liderando su propia banda hasta los primeros años cincuenta. En 1953 los hermanos Dorsey volvieron a trabajar juntos, formando la banda llamada "Tommy Dorsey and his Orch. featuring Jimmy Dorsey". El 26 de diciembre de 1953 los hermanos actuaron con su orquesta en el programa televisivo de Jackie Gleason para la CBS. El éxito de esa actuación determinó que Gleason produjera un programa semanal de variedades, Stage Show, presentado por los hermanos Dorsey en la CBS entre 1954 y 1956. Entre los invitados al show figuraba Elvis Presley, que intervino en varias ocasiones, siendo éstas sus primeras actuaciones para la televisión de alcance nacional.

Tras fallecer Tommy, Jimmy dirigió la orquesta, aunque sobrevivió a su hermano poco tiempo, ya que falleció a causa de un cáncer en 1957, en la ciudad de Nueva York. Tenía 53 años de edad. Fue enterrado en el Cementerio Annunciation Blessed Virgin Mary Church de Shenandoah.

Poco antes de su muerte fue recompensado con un disco de oro por su tema So Rare, grabado el 11 de noviembre de 1956. Esa canción tuvo también la distinción de alcanzar el número 2 de las listas de popularidad de Billboard, siendo la que llegó a un mejor puesto de las interpretadas por una big band en la primera década de la era del rock and roll.

Gracias a esta trayectoria Jimmy Dorsey es considerado uno de los más influyentes saxofonistas de la era del Swing y de las Big Band, siendo mencionado por Charlie Parker como su artista favorito.

Actuaciones para el cine

Jimmy Dorsey actuó en varias producciones de Hollywood, entre las cuales figuran That Girl From Paris, Shall We Dance, The Fleet's In, Lost in a Harem (con Bud Abbot y Lou Costello), I Dood It, y el biopic The Fabulous Dorseys (1947), en el cual trabajaba su hermano Tommy.

En 1938 Jimmy Dorsey y su Orquesta también actuaron en un corto en el que interpretaban muchos de sus éxitos, entre ellos It's the Dreamer in Me, I Love You in Technicolor, y Parade of the Milk Bottle Caps.

Composiciones de Jimmy Dorsey

Jimmy Dorsey compuso Mood Hollywood, Shim Sham Shimmy, So Many Times (n.º 20 en 1939), Beebe, Oodles of Noodles, John Silver (n.º 13 en 1938), Parade of the Milk Bottle Caps, Dusk in Upper Sandusky (con Larry Clinton), Shoot the Meatballs to Me Dominick Boy (con Toots Camarata), A Man and his Drums, Mutiny in the Brass Section, Praying the Blues, Contrasts, Major and Minor Stomp, Tailspin, el clásico I'm Glad There is You (In This World of Ordinary People) , Clarinet Polka, I Love You in Technicolor, The Champ, All The Things You Ain't, JD's Boogie Woogie, Jumpin' Jehosaphat, I'll Do Anything For You, Dorsey Stomp, Grand Central Getaway (con Dizzy Gillespie), Sunset Strip (con Sonny Burke), Town Hall Tonight, Outer Drive (con Herb Ellis), It's the Dreamer in Me (grabada por Duke Ellington, Benny Goodman, Paul Whiteman, Count Basie, Bing Crosby y Harry James), y otras canciones en la época de las Big Band.

Éxitos n.º 1 de las listas

Jimmy Dorsey tuvo once números 1 con su orquesta en las décadas de 1930 y 1940: Is It True What They Say About Dixie?, Change Partners, The Breeze and I, Amapola, My Sister and I, Maria Elena, Green Eyes, Blue Champagne, Tangerine, Bésame mucho, y Pennies from Heaven. En 1935 consiguió otros dos numéros 1 formando parte de la Dorsey Brothers Orchestra: Lullaby of Broadway y Chasing Shadows. Su mayor éxito, Amapola, fue número 1 durante diez semanas de 1941. El 17 de agosto de 1936 Bing Crosby grabó Pennies from Heaven con la Jimmy Dorsey Orchestra, una grabación que fue número 1 durante diez semanas y batió récords de ventas en 1936.

En 2008 se concedió a la grabación Brazil (Aquarela Do Brasil) llevada a cabo por Jimmy Dorsey & His Orchestra el Premio Grammy Hall of Fame.

Filmografía parcial

Tango Tangles (1914)

Jimmy Dorsey and His Orchestra (Corto de 1938)

The Fleet's In (1942)

I Dood It (1943)

Four Jills in a Jeep (1944)

Lost in a Harem (1944)

The Fabulous Dorseys (1947)

Gene Krupa nacía hace 115 años.

 

Gene Krupa nació el 15 de enero de 1909 y fue un afamado e influyente músico estadounidense de jazz y un gran baterista de big band, conocido y reconocido por su enérgico y brillante estilo de tocar. Ampliamente considerado como el baterista más influyente y popular del Siglo xx. Es el primer baterista solista de la historia.​

Krupa nació en Chicago, Illinois, el 15 de enero de 1909 y era el menor de los nueve hijos de Bartley y Ann Krupa, ambos inmigrantes. Su padre murió cuando Gene era muy joven y su madre trabajaba como sombrerera para mantener a la familia. Todos los niños tuvieron que empezar a trabajar cuando eran pequeños, Gene a los 11 años. Su hermano Pete trabajaba en "Brown Music Company" y le consiguió a Gene un trabajo como encargado de las tareas del hogar. Gene comenzó a tocar el saxo en la escuela primaria, pero comenzó a tocar la batería a los 11 años, ya que eran el artículo más barato en la tienda de música donde él y su hermano trabajaban.​

Comenzó su carrera profesional a mediados de la década de los años 1920 con bandas en Wisconsin. Emergió en la escena musical de Chicago en 1927, cuando fue seleccionado por MCA para convertirse en miembro de la orquesta de Thelma Terry y Sus Playboys, entonces la más notable banda americana de jazz liderada por una mujer.

Krupa hizo su primera grabación en 1927, con una banda liderada por el bajista Eddie Condon. También apareció en seis discos de la banda de Thelma Terry en 1928. En 1929 se mudó a Nueva York y trabajó con la banda de Red Nichols.

En 1934 se unió a la banda de Benny Goodman, donde su particular forma de tocar la batería le convirtió en una celebridad nacional.

En 1938, tras una pelea pública con Goodman en el Earl Theater de Filadelfia, dejó a Goodman para lanzar su propia banda, con la que obtuvo diferentes grandes éxitos junto a la cantante Anita O'Day y el trompetista Roy Eldridge. Krupa hizo un memorable cameo apareciendo en la película de 1941 Ball of Fire, donde él y su banda tocaban distintas versiones del éxito musical Drum Boogie.

En 1943, Krupa fue arrestado con marihuana falsificada (cannabis) como un cargo de droga. Esto resultó en una corta sentencia en la cárcel y la ruptura de su orquesta. Después de la ruptura de Krupa de su orquesta, regresó como la banda de Goodman por unos pocos meses. Cuando Goodman lo quería para una gira por la costa oeste, Krupa no aceptó. Se unió a la banda de Tommy Dorsey por varios meses y pondrían juntos una siguiente orquesta.

Krupa se retiró musicalmente a finales de los años 1960, aunque tocaba ocasionalmente en público hasta su muerte por leucemia en Yonkers, Nueva York, el 16 de octubre de 1973. Fue enterrado en el Holy Cross Cemetery en Calumet City, Illinois. Se convirtió en imagen de las baterías Slingerland, fábrica que posteriormente lanzaría una serie "Radio King" en honor a Krupa.

Su legado musical

Muchos consideran a Krupa como el más influyente baterista del siglo xx, especialmente por el desarrollo del propio instrumento de la batería. Su principal influencia comenzó en 1935 en compañía de Benny Goodman, donde sobresalió como una auténtica estrella, pero sobre todo por su uso del pedal del bombo de la batería, y por el depurado empleo de la técnica del sock cymbal. Este particular método de tocar se publicó en 1938 y se convirtió en un texto estándar para el estudio del instrumento.

Discografía selecta

Disco de 78 r. p. m. Brunswick Records.

2003 His Orchestra and the Jazz Trio

1996 Krupa Live

1994 Gene's Solo Flight

1985 Gene Krupa's Sidekicks

1985 Drum Battle: Jazz at the Philharmonic

1964 Great New Gene Krupa Quartet

1964 Featuring Charlie Ventura

1962 Burnin' Beat

1961 Percussion King

1959 Gene Krupa Story [Original Soundtrack]

1959 Big Noise from Winnetka

1958 Gene Krupa Plays Gerry Mulligan Arrangements

1957 Krupa Rocks

1957 Hey...Here's Gene Krupa

1956 Drummer Man

1955 Krupa & Rich

1955 Jazz Rhythms of Gene Krupa

1955 Gene Krupa Quartet

1954 Sing Sing Sing

1954 Gene Krupa, Vol. 1 y 2

1954 Driving

1953 Exciting Gene Krupa

1952 Original Drum Battle

1952 Drum Battle

1946 Trio at Jatp

1945 Town Hall Concert

1945 Timme Rosenkrantz' Concert, Vol. 3