Se cumplen 93 años del nacimiento de David "Fathead" Newman.

 

Músico de jazz, saxofonista tenor y flautista.​ También tocó ocasionalmente el saxo soprano, el saxo alto y el saxo barítono.

David "Fathead" Newman nació el 24 de febrero de 1932 en Corsicana, Texas, Newman comenzó tocando como músico profesional en una banda de Buster Smith, el mentor de Charlie Parker, con Ornette Coleman en otra banda liderada por Red Connors, y con músicos de R&B como Lowell Fulson y T-Bone Walker.​ En 1954 se unió a la banda de Ray Charles, aunque tocando el saxo barítono. Después de tocar junto a Charles durante doce años, estuvo otros diez años con Herbie Mann.​

Su primer disco en solitario, Fathead, Ray Charles Presents David 'Fathead' Newman (1958) lo produjo Ray Charles, y el siguiente, The Sound of the Wide Open Spaces (1960), fue producido por Cannonball Adderley.​

Grabó con Stanley Turrentine, Aretha Franklin, B. B. King, Average White Band, Jimmy McGriff, Eric Clapton, John Stein, Natalie Cole, Hank Crawford, Aaron Neville, Queen Latifah, Richard Tee,5​ Dr. John, Roy Ayers y Cheryl Bentyne de The Manhattan Transfer.

El 20 de enero de 2009, en Kingston, Nueva York, Estados Unidos, partía a la Vida Real.

Discografía

Como líder

Fathead: Ray Charles Presents David 'Fathead' Newman (1960) Atlantic Records 1304

The Sound of the Wide Open Spaces with James Clay (1960) Riverside Records 12-327

Straight Ahead3​ (1961) Atlantic 1366

Fathead Comes On3​ (1962) Atlantic 1399

House of David (1967) Atlantic 1489

Double Barrelled Soul with Jack McDuff (1968) Atlantic 1498

Bigger and Better (1968) Atlantic 1505

The Many Facets of David Newman with Clifford Jordan (1968) Atlantic 1524

Captain Buckles6​ (1971) Cotillion Records 18002

Lonely Avenue (1972) Atlantic 1600

The Weapon (1972) Atlantic 1638

Newmanism (1974) Atlantic 1662

Mr. Fathead7​ (1976) Warner Bros. Records BS 2917

Concrete Jungle (1977) Prestige Records 10104

Keep the Dream Alive5​ (1977) Prestige 10106

Front Money7​ (1977) Warner Bros. BS 2984

Back To Basics (1977) Milestone Records 9188

Scratch My Back5​ (1979) Prestige 10108

Resurgence8​ (1980) Muse Records 5234

Still Hard Times8​ (1982) Muse 5283

Heads Up (1987) Atlantic 81725

Fire! Live at the Village Vanguard (1990) Atlantic 81965

Blue Head Live, with Clifford Jordan (1990) Candid Records 70941

Blue Greens and Beans with Marchel Ivery and the Rein DeGraaff Trio (1990) Timeless 351

Return to the Wide Open Spaces Live, with Ellis Marsalis, Cornell Dupree,... (1990) Amazing Records 1021

Bluesiana Triangle (1990) Windham Hill Jazz WD-0125 – with Bluesiana Triangle

Bluesiana II (1991) Windham Hill 10133 – with Bluesiana Triangle

Mr. Gentle Mr. Cool (1994) Kokopelli Records

Under a Woodstock Moon (1996) Kokopelli

Chillin' (1999) HighNote Records 7036

Keep the Spirits Singing (2001) HighNote 7057

Davey Blue (2001) HighNote 7086

The Gift (2003) HighNote 7104

Song for the New Man (2004) HighNote 7120

I Remember Brother Ray (2005) HighNote 7135

Cityscape (2006) HighNote 7150

Life (2007) HighNote 7166

Diamondhead (2008) HighNote 7179

The Blessing (2009) HighNote 7195

Como "sideman"

Con Ray Charles

The Great Ray Charles (1957)

Yes Indeed! (1958)

Ray Charles at Newport (1958)

What'd I Say (1959)

The Genius of Ray Charles (1959)

Ray Charles in Person (1960)

The Genius Hits the Road (1960)

The Genius After Hours (1961)

Sweet & Sour Tears (1964)

Berlin, 1962

Con Lee Morgan

Sonic Boom (1967)

Con Cornell Dupree

Teasin' (1973)

Con BB King

There Must Be a Better World Somewhere (1981)

Let the Good Times Roll (1999)

Con Lonnie Smith

Think! (1968)

Con John Stein

Green Street (1999)

Con JW-Jones

Kissing in 29 Days (2006)

AA.VV.

The Atlantic Family Live at Montreux (1977)

Oscar Alemán a 116 años de su natalicio.

 

Oscar Alemán nació en Machagai, Chaco, el sábado 20 de febrero de 1909. 

Fue el cuarto de los siete hijos de la pianista Marcela​ Pereira (indígena kom argentina) y de Jorge Alemán Moreira (nacido en Uruguay), que tocaba la guitarra en un cuarteto de arte nativo, integrado por sus propios hijos Carlos, Jorgelina y Juan. En 1915, con seis años de edad, se integró al conjunto familiar Sexteto Moreira. Allí se inició bailando y cantando junto a sus hermanos. Es un conjunto folclórico de música y danzas nativas.

En este año viajaron a Buenos Aires y actuaron en el Parque Japonés, en el Teatro Nuevo y en el Luna Park. Más tarde, viajaron a Brasil.

Tras la muerte de sus padres en 1919, ejerció diversos oficios gracias a los cuales fue consiguiendo hacerse con algo de dinero el cual se lo entregaba en custodia a un amigo hasta que por fin se vió en condiciones de comprarse una guitarra y de dedicarse a ella de manera profesional en salas de fiestas, formando el dúo Los Lobos con el guitarrista Gastón Bueno Lobo, con quien regresó a Buenos Aires en 1925, contratados por la compañía del actor cómico Pablo Palitos.

Allí formaron trío con el violinista Elvino Vardaro, incursionó como autor de tangos junto a Agustín Magaldi, con quien grabó un tema y actuó junto a figuras como Carlos Gardel y Enrique Santos Discépolo. Grabó con RCA Víctor música brasileña, fox trots, valses y tangos, tanto como solista como con Los Lobos.

Europa

En 1929 Los Lobos y el bailarín Harry Fleming realizaron una gira por Europa, tras la cual Alemán se quedó en Madrid y más tarde se presentó como solista en el Casino de París.

En 1932 la bailarina estadounidense Joséphine Baker lo convocó a una prueba, tras la cual trabajaron juntos hasta 1938. Ya en solitario, realizó una gira por Europa, conociendo a Louis Armstrong y Duke Ellington, y tocó con el guitarrista Django Reinhardt en el Hot Club de Francia, sala dedicada al jazz, donde tocaba la guitarra y bailaba a la vez.

Regreso a Argentina

La invasión alemana en 1940 lo obligó a volver a Argentina. Logró un éxito con su tema Rosa madreselva, y siguió triunfando con su estilo swing, dedicándose a actuar en distintos lugares.

De la unión con la actriz Carmen Vallejo nació su hija India Alemán. Carmen ya tenía a Selva Carmen Giorno, fruto de su anterior matrimonio; cuando Selva decidió convertirse en actriz, tomó también el apellido de su padrastro y es conocida como Selva Alemán.

Últimos años

En los años cincuenta fundó una escuela para jóvenes guitarristas sin medios económicos y no volvió a actuar hasta 1971, cuando formó un quinteto de tres violines, contrabajo y batería con el que actuó como guitarra solista. Grabó su último disco en 1979, y falleció al año siguiente.

Legado y reconocimientos

En 2002 se creó en su honor el Festival Internacional de Guitarra Jazz «Oscar Alemán», para intérpretes jóvenes.​

En 2012 se editó el libro "Tributo a Oscar Alemán", con fotos inéditas y gran cantidad de material sobre su vida.​

Discografía

1927-1929: Hawaianita (Buenos Aires).

1930-1933: Ya lo sé (Madrid-París).

1933-1935: Fox-musette n.º 301 (París).

1936-1938: St. Louis Stomp (París).

1939-1940: Doing the gorgonzola (París).

1941-1942: Susurrando (Buenos Aires).

1943-1944: Negra de cabello duro (Buenos Aires).

1945-1949: Haciendo una nueva picardía (Buenos Aires).

1951: Río Swanee (Buenos Aires).

1952: Scartunas (Buenos Aires).

1953: Minuet (Buenos Aires).

1954: Ardiente sol (Buenos Aires).

1955: Estambul (Buenos Aires).

1956-1957: Juca (Buenos Aires).

1965: Guitarra de amor (Buenos Aires).

1966-1969: Sueño de víbora (Buenos Aires).

1970-1972: Moritat (Buenos Aires).

1973-1978: Tengo ritmo (Buenos Aires).

1979-1980: Vestido de bolero (Buenos Aires).

1960-1980: Hombre mío (Buenos Aires).

1979: Sí... otra vez! (Buenos Aires).

Filmografía

Actor

Historia de una carta (1957)

El ídolo del tango (1949)

Buenos Aires canta (1947)

Arreglos musicales

El ángel desnudo (1946)

Su vida física se apagó el martes 14 de octubre de 1980

Cedar Walton nacía hace 91 años.

 

Cedar Walton nació el 17 de enero de 1934 y pasó los primeros años de su vida en Dallas, Tejas. Comenzó a tocar el piano desde los diez años, principalmente motivado por su propia madre, que era profesora de este instrumento. El interés por el jazz le llegaría también muy pronto gracias a su familia, ya que su padre era un gran aficionado al jazz. Su debut artístico fue en Dallas en distintos grupos de blues, donde tocó junto a David Noon entre otros.

Posteriormente, se trasladó con su familia a Denver, en cuya Universidad estudió durante tres años antes de decidir dedicarse profesionalmente a la música. Después de su paso por la Universidad, Walton se trasladó a Nueva York en 1955.

Después de un periodo de dos años en el ejército, donde actuó en un conjunto de jazz, se unió a la banda de Kenny Dorham. Luego participaría con otros músicos, como Gigi Gryce, Lou Donaldson y con la formación del trombonista J. J. Johnson, sustituyendo al pianista Tommy Flanagan. Entre 1960 y 1961 perteneció al sexteto The Jazztet, liderado por el trompetista Art Farmer y el saxofonista Benny Golson, con los que grabaría dos destacados discos: Big City Sounds y The Jazztet and John Lewis.

En 1961, ingresó en los Jazz Messengers, banda liderada por el baterista, Art Blakey, donde permaneció hasta 1964 siendo, además de pianista, arreglista y compositor. Con los Messengers, hizo giras internacionales participando en varios discos, como "Free For All" o "Mosaic", entre otros. Tras dejar la banda de Art Blakey, inició su carrera en solitario creando sus propios grupos como líder. Formó diversos tríos y cuartetos, a la vez que colaboraba con cantantes como Etta James o Abbey Lincoln.​

En 1974, trabajó junto a Eddie Harris, Blue Mitchell, Lee Morgan, Freddie Hubbard y Milt Jackson. A principios de los ochenta, Walton, destacó al frente del cuarteto Eastern Rebellion junto a George Coleman y Sam Jones. Luego se incorporaron, Billy Higgins (batería), Tony Dumas (contrabajo), Bob Berg (saxofón). Con esta formación hizo varias giras por Europa.

Falleció el 19 de agosto de 2013 en su casa de Brooklyn, a los 79 años.

Colaboraciones

Cedar Walton ha actuado con destacados grupos y músicos de jazz, como el Timeless All-Stars (sexteto formado por Harold Land, Bobby Hutcherson, Curtis Fuller, Buster Williams y Billy Higgins), Milt Jackson, Frank Morgan, Dexter Gordon, los vocalistas Ernestine Anderson, Freddy Cole, Madeline Eastman, The Trumpet Summit Band, etcétera.

Discografía

Como líder

1967: Cedar! (Prestige Records)

1968: Spectrum (Prestige Records)

1969: Plays Cedar Walton, 1967-69, (Prestige Records)

1969: Soul Cycle (Prestige Records)

1972: Breakthrough! (Muse)

1974: Firm Roots (Muse)

1975: Mobius (MCA Records)

1975: Eastern Rebellion, Vol. 1 (Timeless Records)

1976: The Pentagon (East Wind)

1977: First Set (SteepleChase)

1977: Second Set (SteepleChase)

1977: Third Set (SteepleChase)

1977: Eastern Rebellion 2 (Timeless Records)

1978: Animation (Columbia)

1980: Soundscapes (CBS Records)

1980: The Maestro (Muse Records)

1982: Among Friends (Evidence)

1985: The Trio, Vol. 1 (Red)

1985: The Trio, Vol. 2 (Red)

1985: The Trio, Vol. 3 (Red)

1985: Cedar's Blues (Red)

1985: Bluesville Time (Criss Cross)

1986: Up Front (Timeless Records)

1986: Cedar Walton Plays (Delos)

1987: This Is For You, John (Timeless Records)

1990: Eastern Rebellion - Mosaic (Musicmasters)

1992: Live at Maybeck (Concord Jazz)

1992: Manhattan Afternoon (Criss Cross)

1992: Eastern Rebellion- Simple Pleasure (Musicmasters)

1994: Eastern Rebellion - Just One of Those... Nights At The Village Vanguard (Musicmasters)

1996: Composer (Astor Place)

1999: Roots (Astor Place)

2001: Promise Land (Highnote Records)

2002: Latin Tinge (Highnote Records)

2005: Naima (Savoy Jazz)

2005: Underground Memoirs (Highnote Records)

2006: One Flight Down (Highnote Records)

2008: Seasoned Wood (Highnote Records)

Acompañando a otros músicos

Con Donald Byrd

1967: Slow Drag (Blue Note)

Con Art Blakey & The Jazz Messengers

1961: Mosaic (Blue Note)

1964: Free For All (Blue Note)

1964: Indestructible (Blue Note)

Gene Krupa a 116 años de su natalicio.

 

Gene Krupa nació el 15 de enero de 1909 y fue un afamado e influyente músico estadounidense de jazz y un gran baterista de big band, conocido y reconocido por su enérgico y brillante estilo de tocar. Ampliamente considerado como el baterista más influyente y popular del Siglo XX. Es el primer baterista solista de la historia.​

Biografía

Krupa nació en Chicago, Illinois, el 15 de enero de 1909 y era el menor de los nueve hijos de Bartley y Ann Krupa, ambos inmigrantes. Su padre murió cuando Gene era muy joven y su madre trabajaba como sombrerera para mantener a la familia. Todos los niños tuvieron que empezar a trabajar cuando eran pequeños, Gene a los 11 años. Su hermano Pete trabajaba en "Brown Music Company" y le consiguió a Gene un trabajo como encargado de las tareas del hogar. Gene comenzó a tocar el saxo en la escuela primaria, pero comenzó a tocar la batería a los 11 años, ya que eran el artículo más barato en la tienda de música donde él y su hermano trabajaban.​

Comenzó su carrera profesional a mediados de la década de los años 1920 con bandas en Wisconsin. Emergió en la escena musical de Chicago en 1927, cuando fue seleccionado por MCA para convertirse en miembro de la orquesta de Thelma Terry y Sus Playboys, entonces la más notable banda americana de jazz liderada por una mujer.

Krupa hizo su primera grabación en 1927, con una banda liderada por el bajista Eddie Condon. También apareció en seis discos de la banda de Thelma Terry en 1928. En 1929 se mudó a Nueva York y trabajó con la banda de Red Nichols.

En 1934 se unió a la banda de Benny Goodman, donde su particular forma de tocar la batería le convirtió en una celebridad nacional.

En 1938, tras una pelea pública con Goodman en el Earl Theater de Filadelfia, dejó a Goodman para lanzar su propia banda, con la que obtuvo diferentes grandes éxitos junto a la cantante Anita O'Day y el trompetista Roy Eldridge. Krupa hizo un memorable cameo apareciendo en la película de 1941 Ball of Fire, donde él y su banda tocaban distintas versiones del éxito musical Drum Boogie.

En 1943, Krupa fue arrestado con marihuana falsificada (cannabis) como un cargo de droga. Esto resultó en una corta sentencia en la cárcel y la ruptura de su orquesta. Después de la ruptura de Krupa de su orquesta, regresó como la banda de Goodman por unos pocos meses. Cuando Goodman lo quería para una gira por la costa oeste, Krupa no aceptó. Se unió a la banda de Tommy Dorsey por varios meses y pondrían juntos una siguiente orquesta.

Krupa se retiró musicalmente a finales de los años 1960, aunque tocaba ocasionalmente en público hasta su muerte por leucemia en Yonkers, Nueva York, el 16 de octubre de 1973. Fue enterrado en el Holy Cross Cemetery en Calumet City, Illinois. Se convirtió en imagen de las baterías Slingerland, fábrica que posteriormente lanzaría una serie "Radio King" en honor a Krupa.

Su legado musical

Muchos consideran a Krupa como el más influyente baterista del siglo xx, especialmente por el desarrollo del propio instrumento de la batería. Su principal influencia comenzó en 1935 en compañía de Benny Goodman, donde sobresalió como una auténtica estrella, pero sobre todo por su uso del pedal del bombo de la batería, y por el depurado empleo de la técnica del sock cymbal. Este particular método de tocar se publicó en 1938 y se convirtió en un texto estándar para el estudio del instrumento.

Discografía selecta

Disco de 78 r. p. m. Brunswick Records.

2003 His Orchestra and the Jazz Trio

1996 Krupa Live

1994 Gene's Solo Flight

1985 Gene Krupa's Sidekicks

1985 Drum Battle: Jazz at the Philharmonic

1964 Great New Gene Krupa Quartet

1964 Featuring Charlie Ventura

1962 Burnin' Beat

1961 Percussion King

1959 Gene Krupa Story [Original Soundtrack]

1959 Big Noise from Winnetka

1958 Gene Krupa Plays Gerry Mulligan Arrangements

1957 Krupa Rocks

1957 Hey...Here's Gene Krupa

1956 Drummer Man

1955 Krupa & Rich

1955 Jazz Rhythms of Gene Krupa

1955 Gene Krupa Quartet

1954 Sing Sing Sing

1954 Gene Krupa, Vol. 1 y 2

1954 Driving

1953 Exciting Gene Krupa

1952 Original Drum Battle

1952 Drum Battle

1946 Trio at Jatp

1945 Town Hall Concert

1945 Timme Rosenkrantz' Concert, Vol. 3

Billy Butterfield a 108 años de su natalicio.

 

Charles William Butterfield​ nació el 14 de enero de 1917 en Middletown, Ohio y estudió secundaria en Wyoming.​ Comenzó a estudiar medicina en el Transylvania College, aunque prefirió dedicarse a la música, formándose como cornetista junto a Frank Simon. Alternó estos estudios hasta que alcanzó el éxito como trompetista.

Carrera profesional

Comenzó su carrera profesional formando parte de la banda de Austin Wylie. Posteriormente trabajó junto a Bob Crosby (1937–1940), Artie Shaw, Les Brown y Benny Goodman.

Con la banda de Bob Crosby, ocupó inicialmente el puesto de tercer trompetista, detrás de los legendarios Charlie Spivak y Yank Lawson. Cuando estos dejaron la formación para marcharse a la banda de Tommy Dorsey en 1938, Butterfield tuvo la oportunidad de interpretar como solista el tema escrito por Bob Haggart, bajista de la banda de Crosby, titulado inicialmente "I'm Free." Posteriormente a la canción se le añadió una letra pasando a ser conocida como "What's New?", convirtiéndose en un clásico de jazz. La versión de Crosby, con una brillante interpretación de Butterfield, es considerada como una de las principales grabaciones de la era de las Big Bands.

El 7 de octubre de 1940, durante una colaboración con la orquesta de Artie Shaw, Butterfield interpretó lo que fue descrito como un "legendario solo de trompeta" en el exitoso tema "Star Dust". Fue también solista destacado en el grupo Gramercy Five, formado por Shaw. Entre 1943 y 1947, interrumpió su carrera musical para incorporarse al Ejército de los Estados Unidos. Tras finalizar su servicio, Butterfield formó su propia orquesta. El 20 de septiembre de 1944, Capitol Records grabó el estándar de jazz "Moonlight In Vermont", con la voz de Margaret Whiting y los solos de trompeta de Butterfield.

Butterfield grabó dos álbumes dirigidos por el arreglista Ray Conniff, Conniff Meets Butterfield5​ (1959) y Just Kiddin' Around (1962). Posteriormente grabó dos álbumes más para Columbia Records.

Desde finales de los años 60 hasta su fallecimiento en 1988, Butterfield formó parte de la World's Greatest Jazz Band, fundada por los antiguos miembros de la banda de Crosby, Yank Lawson y Bob Haggart.​ También colaboró como invitado, de manera individual, con numerosas bandas, participando además en diversos festivales de jazz.

Butterfield tuvo una aparición en la película Second Chorus (1940) como miembro de la banda de Artie Shaw.

Casado con la cantante Dotty Dare Smith,6​ Butterfield falleció el 18 de marzo de 1988, en North Palm Beach, Florida, a los 71 años de edad.

Discografía

Stardusting (Capitol, 1950)

Billy Butterfield (1955)

New York Land Dixie (1955)

They're Playing Our Song (RCA, 1956)

Session at Riverside (Capitol, 1957)

Songs Bix Beiderbecke Played (Epic, 1969)

With Ted Easton's Jazzband (Circle, 1975)

Watch What Happens (Jazzology, 1977)

Swinging at the Elks (Fat Cat Jazz, 1978)

You Can Depend on Me (Fat Cat Jazz, 1980)

Just Friends (Jazzology, 1982)

The Incomparable Butterfield Horn (Fat Cat Jazz, 2002)

Recipe for Romance (Collectors' Choice Music, 2003)

Soft Strut (Fresh Sound, 2004)

What Is There to Say (Jasmine, 2005)7​

Con Buck Clayton

All the Cats Join In (Columbia, 1956)

Coleman Hawkins a 120 años de su natalicio.

 

Los primeros y mas fundamentales capítulos de la historia del saxofón tenor en jazz fueron escritos de puño y letra por Coleman Hawkins (San José, Misuri, 21 de noviembre de 1904 – Nueva York, 19 de mayo de 1969). Ello fue fruto de una larga y concienzuda evolución de un instrumento que adaptó perfectamente para el lenguaje musical del jazz. Su familia era de clase acomodada y desde niño comenzó  estudiar piano. Con siete años estudió violonchelo y con nueve comenzó a aprender a tocar el saxo tenor, un instrumento que entonces no era utilizado en el jazz y que en las orquestas comerciales se tocaba con una técnica que recordaba demasiado a la de los músicos de circo. En esa época inicia en el «Washburn College» de Kansas City, estudios de música clásica que completará en Chicago, ciudad a la que se trasladará con su familia en 1919 y donde tiene la oportunidad de oír por primera vez jazz.

Debuta profesionalmente en 1920 en una orquesta de la región de Kansas City, y al año siguiente es contratado por la famosa cantante de blues, Mamie Smith, que solía tener en su grupo músicos de altísima calidad como Buster Bailey, Sydney Bechet, o Bubber Miley. Con ella llegará a New York y grabará su primer disco y empieza a darse a conocer en los círculos jazzísticos de la gran manzana. En 1923, entra a formar parte de la orquesta de Fletcher Henderson, que con él en sus filas y la incorporación el año siguiente de un jovencísimo, Louis Armstrong, se convertiría en la primera bigband de toda la historia y en la que Hawkins permanecería once largos y magníficos años hasta hacer de  esa orquesta la mejor de su época.

En 1934, Coleman Hawkins, deja la banda de Henderson y se marcha a Europa y en Inglaterra firma un jugoso contrato con la orquesta de Jack Hylton. Es expulsado de la Alemania nazi por el color de su piel y se recluye en Holanda primero y después en Francia grabando en Paris discos con músicos locales y coincidiendo con su amigo Benny Carter, que también se había desplazado a la vieja Europa. En 1939 regresa a los Estados Unidos donde encuentra que sus viejos discípulos están pisando fuerte en la escena jazzística y donde conoce por primera vez a un saxofonista de Kansas que empieza hacerle sombra. Se llamaba Lester Young y se destacaba entre los demás saxofonistas, por poner en práctica un estilo distinto al suyo por primera vez en veinte años. Hawkins, monta su propia orquesta y graba el histórico tema: «Body and Soul» uno de los grandes estándares de jazz desde entonces y que significará su consagración definitiva como uno de los grandes creadores del jazz. A partir de ese momento, se le empieza a conocer como el «padre del saxofón tenor».

Disolvió su bigband en 1941 y trabajó con grupos mas pequeños. En la segunda mitad de los años cuarenta, será una de las estrellas del «Jazz at the Philarmonic», la organización musical creada por Norman Granz, que se encargaría de llevar el jazz a todos los rincones del mundo. Entre sus registros destaca la colaboración con Roy Eldridge y Oscar Peterson, en los años cincuenta y dejó grabados algunos discos extraordinarios como los titulados: «The Genius of Coleman Hawkins» (Verve 1957) o el espléndido «High and Mighty Hawk»también para Verve en 1958. En 1962 graba un disco memorable con Duke Ellington»: «Duke Ellington meets Coleman Hawkins» (Impulse!) y en 1966, graba el ultimo disco de su vida «Sirius» (Pablo) pues a partir de esa fecha su salud empieza a jugarle una mala pasada falleciendo tres años después víctima de una pulmonía, el 19 de mayo de 1969 en el hospital Wickersham de New York.

Con el desapareció el hombre que fue al saxo tenor, lo que Louis Armstrong a la trompeta: el inventor de las primeras y por consiguiente, mas importantes reglas músico-instrumentales, que determinarían la configuración, concepto y lenguaje del saxofón tenor en el jazz de todos los tiempos.

El rosarino Santos Lispeker nacía hace 106 años.

 

Santos Lispeker nacio en Rosario el 10 de octubre de 1918. Sus padres, inmigrantes llegados de Odessa, tuvieron seis hijos varones. Todos fueron músicos, aunque dos de ellos no actuaron profesionalmente. Félix fue un bandoneonista de depurada técnica, que debutó directamente como primer violín de la orquesta de Julio de Caro; se dedicó a la enseñanza y la investigación de métodos innovadores para la ejecución de este instrumento. León, conocido como Leo, se destacó especialmente como violinista. Se inició también con Julio de Caro, y luego actuó con Pedro Maffia, Miguel Caló y la orquesta de Jazz de Barry Moral. Jaime, apodado Freddy, gran contrabajista que tocó con Vlady, Julio Gutiérrez, Waldo de los Ríos, Lucio Milena, Horacio Malvicino y una larga lista de agrupaciones.

Santos demostró desde niño una gran facilidad para la música y un oído privilegiado, que le permitió ejecutar varios instrumentos cuya técnica dominó sin realizar estudios formales. Se inició como clarinetista en grupos infantiles y a los doce años se sumó a la orquesta característica Paladini-Romano. Comenzó a tocar bandoneón, y por recomendación de Homero Manzi ingresó junto con Leo en la orquesta de Pedro Maffia en 1937. En la década del 40 comenzó a dedicarse al Jazz, a partir de su incorporación a la orquesta que dirigía el saxofonista Sam Liberman en el Palermo Palace. Alternó el clarinete con el saxo tenor, hasta que se dedicó más a este último. 

Pasó por varias orquestas: Rudy Ayala, Roberto Césari, Luis Rolero, los Cotton Pickers de Ahmed Ratip, Eduardo Armani, la Jazz Casino, Rudy Machado, y además fue continuamente requerido para reemplazos de último momento por su facilidad para adaptarse a los distintos arreglos. En la década del 50 fue director de la orquesta estable de Radio El Mundo, y a partir de la inauguración de Canal 9 realizó allí la misma función por varios años, en los que fue también productor y director artístico del sello Phonogram.

A lo largo de su carrera creó decenas de agrupaciones con diversos seudónimos: André y su conjunto, dedicada fundamentalmente al tango y el folklore, con músicos de la talla de Ubaldo de Lío, Dante Amicarelli y otros; Vincent Morocco y su orquesta; Conjunto Maracangalha, con excelentes versiones de temas brasileños; Los Soldaditos de Johnny, excelente grupo de Jazz; Los Tururú Serenaders; Apache; G. G. Y SUS GO-GO, con un hermoso LP "Boleros A Go-Gó"; Orquesta Estudio A; MATHIAS Y SU SAXO, con un gran suceso con su versión de "Playas Somnolientas"; CUARTETO LOS PORTEÑITOS; LOS CLAUDIOS; la orquesta característica GASPARIN Y SU CONJUNTO; ROY BAXTER Y SU QUINTETO; VALENTINO Y SU TROPICAL BAND; RONALD BONN; TABAC'S MUSICUM; GEORGE BEST; GASTON Y SU CONJUNTO; L. S. Y SU CONJUNTO; BANDA ESPAÑA; MECHICOLO; LAFUENTE Y SU CONJUNTO; PASCAL VALENTI; JEAN PIERRE; ORQUESTA LOS MADRILEÑOS; LOS CANDOMBEROS; DON PANCHO; DON LUCHO Y SU CONJUNTO RITMOS DE AMERICA; LOS DIABLOS; LOS 7 ASES DEL RITMO; MARIMBA SONORA; LOS QUERUBINES; THE ROCKERS; CHICO MENDOZA; TRIO BALVANERA. 

Fue compositor de cientos de temas: varios tangos ("Bolero", gran éxito en la voz de Roberto Chanel con la orquesta de Osvaldo Pugliese, "Codicia", "Sinfonía de Arrabal"); el "Divito Boogie", homenaje al creador de "Rico Tipo" que interpretaban los Cotton Pickers; boleros y cumbias; temas nuevaoleros como "Total Para Qué" y los infaltables éxitos para Carnaval; también de la marcha oficial de Boca Juniors. Rockolafree. 

Su vida física se apagó el 30 de junio de 1978.

✍🏻 El Intencionado