jueves, 29 de febrero de 2024

Hace 120 años nacía Jimmy Dorsey.

 



Jimmy Dorsey nació en Shenandoah, Pensilvania, el 29 de febrero de 1904 y fue un destacado líder de big band, compositor, clarinetista, saxofonista y trompetista de nacionalidad estadounidense, conocido por componer los temas I'm Glad There is You (In This World of Ordinary People) y It's the Dreamer in Me.



Su nombre completo era James Francis Dorsey, siendo también conocido como "JD", y nació en Shenandoah, Pensilvania. Era hijo de un profesor de música y hermano mayor de Tommy Dorsey, que también fue un destacado músico. De joven tocaba la trompeta y ya actuaba en el vodevil en 1913. En 1915 pasó a tocar saxofón alto, aprendiendo posteriormente el clarinete. Jimmy Dorsey tocaba un clarinete dotado de un sistema de llaves Albert, en contra del habitual sistema Boehm utilizado por la mayoría de sus contemporáneos, entre ellos Benny Goodman y Artie Shaw.


Con su hermano Tommy al trombón, formó los Dorsey’s Novelty Six, una de las primeras bandas de jazz que tocaron para la radio. En 1924 entró a formar parte de los California Ramblers (con base en Nueva York). En la década de 1920 trabajó para la radio y para los estudios de grabación como artista independiente. Los hermanos actuaron también como músicos de sesión en muchas grabaciones de jazz, y en 1930 Dorsey entró en la banda de Ted Lewis haciendo una gira con la formación por Europa.


Tras volver a los Estados Unidos trabajó brevemente con Rudy Vallee y otros líderes de banda, además de con la Orquesta Dorsey Brothers, junto a Tommy.


En sus primeros años como músico, Jimmy Dorsey actuó con variados grupos y artistas, entre ellos los Scranton Sirens, The California Ramblers, Red Nichols, Jean Goldkette, Ben Pollack, Fred Rich y Paul Whiteman.


El primer gran éxito de Jimmy Dorsey fue "You Let Me Down", de 1935. Su banda estaba más orientada al jazz que la de su hermano, y se dedicó a la grabación de algunos clásicos instrumentales del swing: Dorsey Stomp, Tap Dancer's Nightmare, Parade of the Milk Bottle Caps, John Silver, y Dusk in Upper Sandusky. La formación actuó en el show radiofónico de Bing Crosby Kraft Music Hall. En esos años participó en al menos 75 programas radiofónicos (muchos con su hermano), en varios de ellos formando parte de la orquesta de Nathaniel Shilkret. A causa de una disputa musical con su hermano, Tommy formó en 1935 su propia banda trabajando para RCA Victor, por lo cual la orquesta Dorsey Brothers pasó a ser la Orquesta Jimmy Dorsey, incluyendo entre sus miembros a músicos de la talla de Bobby Byrne, Ray McKinley, y Skeets Herfurt, además de los vocalistas Bob Eberly y Kay Weber. En este período, Jimmy Dorsey permaneció con Decca Records.


En 1939 Dorsey contrató a Helen O'Connell como cantante. Ella y Eberly cantaron a dúo varios de los más grandes éxitos de la formación. Muchas de las grabaciones de Eberly-O'Connell se editaron en un inusual formato en tres secciones. Ese formato se desarrolló a instancias de un productor de grabación que quería que ambos cantantes y la banda en pleno aparecieran en una única grabación de tres minutos (78 rpm) de duración. Eberly cantaba el primer minuto, usualmente como una balada romántica, el siguiente tocaba la banda en pleno con el respaldo del saxofón de Dorsey, y el último minuto era cantado por O'Connell en un estilo más vivaz, a veces con letras en español. Casi todos los temas editados entre 1939 y 1943 fueron grandes éxitos, especialmente aquellos de sabor latino como los temas Green Eyes (Aquellos Ojos Verdes), Amapola, Tangerine, Yours (Quiéreme Mucho), y Maria Elena.


A partir de 1944, la primera esposa de Jerry Lewis, Patti Palmer, cantó con la orquesta de Dorsey, aunque permaneció en la misma menos de un año.


Jimmy Dorsey continuó liderando su propia banda hasta los primeros años cincuenta. En 1953 los hermanos Dorsey volvieron a trabajar juntos, formando la banda llamada "Tommy Dorsey and his Orch. featuring Jimmy Dorsey". El 26 de diciembre de 1953 los hermanos actuaron con su orquesta en el programa televisivo de Jackie Gleason para la CBS. El éxito de esa actuación determinó que Gleason produjera un programa semanal de variedades, Stage Show, presentado por los hermanos Dorsey en la CBS entre 1954 y 1956. Entre los invitados al show figuraba Elvis Presley, que intervino en varias ocasiones, siendo éstas sus primeras actuaciones para la televisión de alcance nacional.


Tras fallecer Tommy, Jimmy dirigió la orquesta, aunque sobrevivió a su hermano poco tiempo, ya que falleció a causa de un cáncer en 1957, en la ciudad de Nueva York. Tenía 53 años de edad. Fue enterrado en el Cementerio Annunciation Blessed Virgin Mary Church de Shenandoah.


Poco antes de su muerte fue recompensado con un disco de oro por su tema So Rare, grabado el 11 de noviembre de 1956. Esa canción tuvo también la distinción de alcanzar el número 2 de las listas de popularidad de Billboard, siendo la que llegó a un mejor puesto de las interpretadas por una big band en la primera década de la era del rock and roll.


Gracias a esta trayectoria Jimmy Dorsey es considerado uno de los más influyentes saxofonistas de la era del Swing y de las Big Band, siendo mencionado por Charlie Parker como su artista favorito.


Actuaciones para el cine


Jimmy Dorsey actuó en varias producciones de Hollywood, entre las cuales figuran That Girl From Paris, Shall We Dance, The Fleet's In, Lost in a Harem (con Bud Abbot y Lou Costello), I Dood It, y el biopic The Fabulous Dorseys (1947), en el cual trabajaba su hermano Tommy.


En 1938 Jimmy Dorsey y su Orquesta también actuaron en un corto en el que interpretaban muchos de sus éxitos, entre ellos It's the Dreamer in Me, I Love You in Technicolor, y Parade of the Milk Bottle Caps.


Composiciones de Jimmy Dorsey


Jimmy Dorsey compuso Mood Hollywood, Shim Sham Shimmy, So Many Times (n.º 20 en 1939), Beebe, Oodles of Noodles, John Silver (n.º 13 en 1938), Parade of the Milk Bottle Caps, Dusk in Upper Sandusky (con Larry Clinton), Shoot the Meatballs to Me Dominick Boy (con Toots Camarata), A Man and his Drums, Mutiny in the Brass Section, Praying the Blues, Contrasts, Major and Minor Stomp, Tailspin, el clásico I'm Glad There is You (In This World of Ordinary People) , Clarinet Polka, I Love You in Technicolor, The Champ, All The Things You Ain't, JD's Boogie Woogie, Jumpin' Jehosaphat, I'll Do Anything For You, Dorsey Stomp, Grand Central Getaway (con Dizzy Gillespie), Sunset Strip (con Sonny Burke), Town Hall Tonight, Outer Drive (con Herb Ellis), It's the Dreamer in Me (grabada por Duke Ellington, Benny Goodman, Paul Whiteman, Count Basie, Bing Crosby y Harry James), y otras canciones en la época de las Big Band.


Éxitos n.º 1 de las listas


Jimmy Dorsey tuvo once números 1 con su orquesta en las décadas de 1930 y 1940: Is It True What They Say About Dixie?, Change Partners, The Breeze and I, Amapola, My Sister and I, Maria Elena, Green Eyes, Blue Champagne, Tangerine, Bésame mucho, y Pennies from Heaven. En 1935 consiguió otros dos numéros 1 formando parte de la Dorsey Brothers Orchestra: Lullaby of Broadway y Chasing Shadows. Su mayor éxito, Amapola, fue número 1 durante diez semanas de 1941. El 17 de agosto de 1936 Bing Crosby grabó Pennies from Heaven con la Jimmy Dorsey Orchestra, una grabación que fue número 1 durante diez semanas y batió récords de ventas en 1936.


En 2008 se concedió a la grabación Brazil (Aquarela Do Brasil) llevada a cabo por Jimmy Dorsey & His Orchestra el Premio Grammy Hall of Fame.


Filmografía parcial


Tango Tangles (1914)

Jimmy Dorsey and His Orchestra (Corto de 1938)

The Fleet's In (1942)

I Dood It (1943)

Four Jills in a Jeep (1944)

Lost in a Harem (1944)

The Fabulous Dorseys (1947)

lunes, 15 de enero de 2024

Gene Krupa nacía hace 115 años.

 



Gene Krupa nació el 15 de enero de 1909 y fue un afamado e influyente músico estadounidense de jazz y un gran baterista de big band, conocido y reconocido por su enérgico y brillante estilo de tocar. Ampliamente considerado como el baterista más influyente y popular del Siglo xx. Es el primer baterista solista de la historia.​

Krupa nació en Chicago, Illinois, el 15 de enero de 1909 y era el menor de los nueve hijos de Bartley y Ann Krupa, ambos inmigrantes. Su padre murió cuando Gene era muy joven y su madre trabajaba como sombrerera para mantener a la familia. Todos los niños tuvieron que empezar a trabajar cuando eran pequeños, Gene a los 11 años. Su hermano Pete trabajaba en "Brown Music Company" y le consiguió a Gene un trabajo como encargado de las tareas del hogar. Gene comenzó a tocar el saxo en la escuela primaria, pero comenzó a tocar la batería a los 11 años, ya que eran el artículo más barato en la tienda de música donde él y su hermano trabajaban.​



Comenzó su carrera profesional a mediados de la década de los años 1920 con bandas en Wisconsin. Emergió en la escena musical de Chicago en 1927, cuando fue seleccionado por MCA para convertirse en miembro de la orquesta de Thelma Terry y Sus Playboys, entonces la más notable banda americana de jazz liderada por una mujer.


Krupa hizo su primera grabación en 1927, con una banda liderada por el bajista Eddie Condon. También apareció en seis discos de la banda de Thelma Terry en 1928. En 1929 se mudó a Nueva York y trabajó con la banda de Red Nichols.



En 1934 se unió a la banda de Benny Goodman, donde su particular forma de tocar la batería le convirtió en una celebridad nacional.


En 1938, tras una pelea pública con Goodman en el Earl Theater de Filadelfia, dejó a Goodman para lanzar su propia banda, con la que obtuvo diferentes grandes éxitos junto a la cantante Anita O'Day y el trompetista Roy Eldridge. Krupa hizo un memorable cameo apareciendo en la película de 1941 Ball of Fire, donde él y su banda tocaban distintas versiones del éxito musical Drum Boogie.


En 1943, Krupa fue arrestado con marihuana falsificada (cannabis) como un cargo de droga. Esto resultó en una corta sentencia en la cárcel y la ruptura de su orquesta. Después de la ruptura de Krupa de su orquesta, regresó como la banda de Goodman por unos pocos meses. Cuando Goodman lo quería para una gira por la costa oeste, Krupa no aceptó. Se unió a la banda de Tommy Dorsey por varios meses y pondrían juntos una siguiente orquesta.


Krupa se retiró musicalmente a finales de los años 1960, aunque tocaba ocasionalmente en público hasta su muerte por leucemia en Yonkers, Nueva York, el 16 de octubre de 1973. Fue enterrado en el Holy Cross Cemetery en Calumet City, Illinois. Se convirtió en imagen de las baterías Slingerland, fábrica que posteriormente lanzaría una serie "Radio King" en honor a Krupa.


Su legado musical


Muchos consideran a Krupa como el más influyente baterista del siglo xx, especialmente por el desarrollo del propio instrumento de la batería. Su principal influencia comenzó en 1935 en compañía de Benny Goodman, donde sobresalió como una auténtica estrella, pero sobre todo por su uso del pedal del bombo de la batería, y por el depurado empleo de la técnica del sock cymbal. Este particular método de tocar se publicó en 1938 y se convirtió en un texto estándar para el estudio del instrumento.


Discografía selecta



Disco de 78 r. p. m. Brunswick Records.

2003 His Orchestra and the Jazz Trio

1996 Krupa Live

1994 Gene's Solo Flight

1985 Gene Krupa's Sidekicks

1985 Drum Battle: Jazz at the Philharmonic

1964 Great New Gene Krupa Quartet

1964 Featuring Charlie Ventura

1962 Burnin' Beat

1961 Percussion King

1959 Gene Krupa Story [Original Soundtrack]

1959 Big Noise from Winnetka

1958 Gene Krupa Plays Gerry Mulligan Arrangements

1957 Krupa Rocks

1957 Hey...Here's Gene Krupa

1956 Drummer Man

1955 Krupa & Rich

1955 Jazz Rhythms of Gene Krupa

1955 Gene Krupa Quartet

1954 Sing Sing Sing

1954 Gene Krupa, Vol. 1 y 2

1954 Driving

1953 Exciting Gene Krupa

1952 Original Drum Battle

1952 Drum Battle

1946 Trio at Jatp

1945 Town Hall Concert

1945 Timme Rosenkrantz' Concert, Vol. 3

viernes, 12 de enero de 2024

El zarateño Tito Alberti nacía hace 101 años.



Juan Alberto Ficicchia, más conocido como Tito Alberti, nació en Zárate, provincia de Buenos Aires, el viernes 12 de enero de 1923 y fue un compositor y baterista. Músico de jazz y música caribeña, también fue autor de la famosa canción infantil El elefante trompita.​ Fue el padre del baterista de Soda Stereo, Charly Alberti y del músico de Santos Inocentes y Mole, Andrés Alberti.



Nacido en una familia de trabajadores radicada en Zárate. Desde pequeño se relacionó con otros niños zarateños que llegarían a ser músicos destacados, como los hermanos Homero y Virgilio Expósito:

De chicos teníamos un trío: Virgilio Expósito tocaba el piano, Homero Expósito el ukelele y yo la batería. Tocábamos en la confitería de los padres, donde años antes, quizá por 1930 yo había conocido a Carlos Gardel.

Comenzó a tocar el tambor en la compañía de boys scouts "Alférez Nelson T. Page" de Zárate. Estudió música en el famoso Conservatorio Fracassi y batería con Tony Carvajales, conocido baterista de jazz de la época. A comienzos de la década del 40, debido a la muerte de su padre debió trabajar como obrero de la carne en el frigorífico Smithfield de su ciudad natal. Con el salario se compró su primera batería, y comenzó a tocar con sus amigos y con varias orquestas de la ciudad.


Poco a poco comenzó a ser reconocido por su talento, en especial la notable habilidad y rapidez de su mano izquierda. En 1942 realizó con el tango su primer trabajo importante, al ser invitado por Miguel Caló a grabar con su orquesta la milonga “Azabache” (de Homero Expósito, E.M. Francini y Héctor Stamponi), cantada por Raúl Berón, otro zarateño.


Al años siguiente se incorporó a la orquesta de Raúl Marengo y en 1944 integró la orquesta del famoso músico mexicano Agustín Lara, el autor de “Granada”.


Amigo de Eva Perón adhirió al peronismo cuando este movimiento se formó a partir de 1944, estableciendo una estrecha amistad de por vida con Héctor Cámpora, quien llegaría a ser presidente de la Argentina en 1973. Fue uno de los promotores de la conocida “Ley de Número Vivo”, que establecía la obligación de las salas de cine de incluir actuaciones artísticas en vivo, y que constituyó un importante factor en la promoción del arte popular en las décadas del 40 y del 50.


En 1946 ingresó a la orquesta “Cotton Pickers” dirigida por Ahmed Ratip Canga y en 1947 a la de Jorge Negrete. Este último año compuso El elefante trompita, considerada «la canción en español más difundida y famosa en toda la historia de la música popular latina».​


Simultáneamente formó su primera orquesta de jazz del Automóvil Club Argentino, llamada Reveríe, a la que solían ir frecuentemente a oír músicos como Lalo Schifrin (luego famoso autor mundial de música de TV y películas).




En 1949 integró la Orquesta Internacional de Xavier Cugat la de Dámaso Pérez Prado (el Rey del Mambo), con quien realizó varias grabaciones discográficas.


Sobre la base de su primera formación, en 1950 creó junto con José Finkel la Orquesta de “Jazz Casino”, reconocida como la más importante de la historia del jazz en Argentina, que se mantendría hasta 1957.


El 1 de mayo de 1950 tocó con su orquesta en el acto masivo realizado en la Plaza de Mayo para celebrar el “Día del Trabajador”. Debido al éxito obtenido, repitió esta actuación cada 1º de mayo, hasta el derrocamiento del presidente Juan Perón por el golpe militar de 1955.


En 1951 fue elegido junto al pianista Hugo La Rocca para tocar en la primera transmisión de la televisión argentina realizada por Canal 7.


En la segunda mitad de la década del 50 incluyó ritmos caribeños en el repertorio de su orquesta, que alcanzaron un extraordinario suceso popular. Para eso se incorporaron como cantantes diversos músicos como Carlos Argentino, Lucho Andrade, Charles el Antillano, Yuyú Da Silva, Víctor Carrión, Mónica Santana y Alberto Cortéz, quien luego alcanzaría fama internacional. Con este estilo, durante 1956 y 1957 recorrió con su orquesta gran parte de América Latina con notable éxito. Al regreso la orquesta se disolvió, para reorganizarse como ”Orquesta de Tito Alberti”, con la famosa cantante Rita Montero como primera vocalista. Tocaba habitualmente por radio y televisión, formando parte del elenco estable de los programas de público masivo, como “Casino Phillips” y La Tuerca”.


Fue el que introdujo la música caribeña en la Argentina, llegando a crear un ritmo propio, el “dengue”, que se ejecutaba con sonidos realizados en llantas de automóviles.


En 1958 se vinculó al poeta cubano Nicolás Guillén, creando un espectáculo musical llamado “Tambores Cubanos”, que ambos presentaron por toda América Latina.


Durante la década del 60 la Orquesta de Tito Alberti lideró los bailes populares y en especial los Carnavales, siendo la primera en recaudaciones durante once años consecutivos, llegando a realizar cincuenta shows por mes.


A inicios de la década de 1980 se retira de la música por problemas de salud. En 1998, a los 76 años, regresó a los escenarios con una orquesta formada por músicos que se encuentran entre los mejores de jazz de la Argentina: Chachi Ferreyra (saxo), Bicho Casalla (trombón), Oscar Serrano (trompeta), Mariano Tito (bajo) y Juan Hournou (piano). El éxito fue extraordinario, llenando todas las funciones. En 2003 decidió volver a vivir a su ciudad natal, Zárate. En 2005, a los 82 años realizó un nuevo concierto con músicos estrellas, agotando las entradas del Teatro Coliseo de Zárate.


Falleció el miércoles 25 de marzo de 2009, a causa de un paro cardiorrespiratorio, producto de una insuficiencia renal.


Obra


Tito Alberti ha compuesto más de cien canciones, entre la que se destaca El elefante trompita. Grabó más de cincuenta discos de larga duración, la mayoría para la compañía Philips.


Curiosidades


Sus dos hijos, Carlos y Andrés, son músicos. El primero, más conocido como Charly Alberti, fue el baterista de la famosa banda de Argentina Soda Stereo.

miércoles, 19 de julio de 2023

Buster Bailey nacía hace 121 años.

 



Buster Bailey nació en Memphis, el 19 de julio de 1902 y fue clarinetista y saxofonista de jazz, uno de los más respetados músicos de sesión de su época.


Biografía


Primeros años


Su verdadero nombre era William C. Bailey. Fue un maestro del clarinete, instrumento que aprendió gracias al profesor clásico Franz Schoepp, el hombre que había enseñado a Benny Goodman. Bailey se inició con la Orquesta de W.C. Handy en 1917, cuando únicamente tenía quince años de edad, dejando la formación tras dos años de gira, mientras la misma actuaba en Chicago. En 1919, Bailey ingresó en la Orquesta Vendome de Erskine Tate, en la que permaneció hasta 1923, año en el que empezó a tocar con Joe King Oliver. Como miembro de la King Oliver’s Creole Jazz Band, Bailey conoció e hizo amistad con Louis Armstrong, que en esa época era también un componente del grupo. En 1924, Armstrong dejó la banda de King Oliver para entrar en la Orquesta de Fletcher Henderson en Nueva York. Al cabo de un mes, Armstrong invitó a Buster Bailey a ser miembro de la formación de Henderson. Bailey aceptó y se mudó a Nueva York.


Carrera consolidada


En Nueva York, a finales de los años 1920, Buster Bailey se hizo conocido como músico de sesión junto a Perry Bradford y otros artistas, actuando en numerosas grabaciones discográficas en las que tocaba el clarinete y el saxofón soprano. De entre dichas grabaciones, destacan sus actuaciones en varios discos de Clarence Williams. Bailey dejó en 1927 el grupo de Fletcher Henderson para hacer una gira por Europa con la Orquesta de Noble Sissle. A su vuelta actuó con otros varios grandes del jazz, entre ellos Edgar Hayes y Dave Nelson. En 1931 entró de nuevo en la orquesta de Sissle, permaneciendo en ella hasta 1933. Al año siguiente volvió a actuar durante un breve tiempo con Fletcher Henderson, pero a finales del mismo año era miembro de la banda de John Kirby. Aunque continuó en dicha formación hasta 1946, ello no le impidió seguir actuando con otros artistas. Así, en 1934 y 1935 tocó con la Mills Blue Rhythm Band, y en 1937 fue músico de sesión de Midge Williams and Her Jazz Jesters. Durante esos años también grabó con una formación llamada Buster Bailey and His Rhythm Busters.


Últimos años


En 1946, Buster Bailey se hizo independiente y lideró su propia banda, aunque duró solamente ese año. En 1947 se asoció con Wilbur de Paris, tocando con él hasta 1949. En los primeros años 1950 Bailey tocó con Big Chief Russell Moore, aunque la mayor parte de dicha década estuvo actuando con Red Allen. Desde 1961 a 1963 tocó con Wild Bill Davison, y entre 1963 y 1964 formó parte de los Saints And Sinners, reuniéndose con su amigo Armstrong en 1965, formando parte del grupo Louis Armstrong and His All-Stars.


Buster Bailey falleció en 1967 en Nueva York, Estados Unidos, a causa de un infarto agudo de miocardio.


Cine


Buster Bailey actuó en tres producciones cinematográficas a lo largo de su carrera. La primera fue un film titulado That's the Spirit (1933), en el que interpretaba al miembro de una banda musical. En su segundo film aparecía Sepia Cinderella (1947), aparecía como un clarinetista dentro del Sexteto John Kirby. En su última película, When the Boys Meet the Girls (1965), trabajó junto a Louis Armstrong interpretando nuevamente a un músico.


Además, Bailey intervino en 1958 en la serie televisiva de DuMont Jazz Party, y en 1961 en el programa The DuPont Show with June Allyson, en un episodio titulado "America's Music - Chicago and All That Jazz".

martes, 6 de junio de 2023

Jimmie Lunceford nacía hace 121 años.

 


Jimmie Lunceford nació en Fulton, Misuri, el 6 de junio de 1902 y fue saxofonista, arreglista y director de orquesta de jazz.


Historial


Comenzó en 1922, tocando el saxo alto en la banda de George Morrison. Se traslada a Nueva York y se incorpora a diversas orquestas de la zona, aunque después se instala en Memphis (1926), donde da clases de música y forma su primera big band, donde toca Willie Smith. En 1933-34, se incorpora como arreglista el trompetista Sy Oliver y la orquesta se instala en Harlem, tocando asiduamente en el famoso "Cotton Club". Entre 1935 y 1940, la orquesta de Lunceford se instala en la parte más alta de la jerarquía de las big bands de swing, realizando giras por Europa (1937). Sin embargo, a comienzos de la década de 1940 la orquesta entra en un fuerte declive, en primer lugar por la pérdida de sus principales solistas (Trummy Young, Snooky Young, Paul Webster, Gerald Wilson...) y, después, por la pérdida de su identidad sonora al dejarla Oliver. Lunceford la mantuvo no obstante hasta su muerte e, incluso, le sobrevivió algunos años, dirigida por Joe Thomas y Eddie Wilcox.


A Lunceford se le debe que el concepto de "precisión" adquiriese verdadera significación en las interpretaciones de las grandes orquestas de jazz.​ Su banda tenía un estilo característico, basado en un ritmo "two-beat" oculto tras el compás típico de cuatro tiempos (4/4) propio del swing, así como en la presencia de una poderosa sección de saxos que, usualmente, tocaban al unísono con tendencia al glissando. Ello, unido a un ritmo arrebatador que se conoció como bounce (la divisa de la banda era "Rhythm is our business", es decir, "el ritmo es nuestro negocio") convirtieron a la banda en una de las más importantes de la época, junto a Chick Webb, Count Basie, Fletcher Henderson y Duke Ellington.

martes, 30 de mayo de 2023

Hace 114 años nacía Benny Goodman.

 



Benny Goodman nació en Chicago, el 30 de mayo de 1909 y fue clarinetista y director de orquesta de jazz.


Conocido como El rey del swing, es, junto con Glenn Miller y Count Basie, el representante más popular de este estilo jazzístico e iniciador de la llamada era del swing. Una de sus interpretaciones más famosas es la de "Sing, sing, sing (with a swing)", empleada en múltiples bandas sonoras y obras de teatro y musicales.


Biografía


Comienzos de su carrera


Goodman, noveno de doce hermanos e hijo de emigrantes judíos procedentes de Polonia, nació en Chicago, donde vivían en el barrio Maxwell Street. Su padre, David Goodman, era sastre procedente de Varsovia, su madre Dora Rezinski, era de Kaunas. Sus padres se conocieron en Baltimore, Maryland y se trasladaron a Chicago antes de que naciera Benny. Comenzó a tocar el clarinete a la edad de diez años en la sinagoga, tras lo que se unió a una banda local. Hizo su debut profesional a los doce años y abandonó la escuela a los catorce para hacerse músico profesional.


A los 16 años, en agosto de 1925, se unió a la banda de Ben Pollack, con la que hizo sus primeras grabaciones en diciembre de 1926. Sus primeras grabaciones bajo su propio nombre las realizó en enero de 1928. A los 20 años, en septiembre de 1929, abandonó a Pollack para dirigirse a Nueva York donde trabajó como músico independiente, trabajando en sesiones de grabación, espectáculos radiofónicos y en las orquestas de los musicales de Broadway. Hizo también grabaciones bajo su propio nombre con orquestas alquiladas, alcanzando grandes éxitos con "He's Not Worth Your Tears" (cantada por Scrappy Lambert) en Melotone Records en enero de 1931. Firmó con Columbia Records en el invierno de 1934 y alcanzó el top ten a comienzos de 1934 con "Ain't Cha Glad?" (cantada por Jack Teagarden), "Riffin' the Scotch" (cantada por Billie Holiday) y "Ol' Pappy" (cantada por Mildred Bailey), y en primavera con "I Ain't Lazy, I'm Just Dreamin'" (cantada por Jack Teagarden).


Formación de su orquesta




Todos estos éxitos y un ofrecimiento que se le hizo para actuar en el Billy Rose's Music Hall inspiraron a Goodman para organizar una orquesta permanente; su primer concierto se produciría el 1 de junio de 1934. Su grabación instrumental de "Moon Glow" alcanzó el primer lugar en julio y consiguió dos éxitos más con los temas instrumentales "Take My Word" y "Bugle Call Rag". Tras unos meses en el Music Hall, firmó por el programa radiofónico Saturday night Let's Dance de la NBC, tocando la última hora de las tres que duraba el espectáculo. Durante los seis meses que estuvo en el programa, consiguió seis éxitos más con Columbia, y otros cinco más con RCA Victor, su siguiente compañía.


Tras dejar el programa de radio, Goodman emprendió una gira nacional en el verano de 1935. No fue especialmente exitosa hasta que llegó a la Costa Oeste, debido a que sus actuaciones en el programa de radio habían podido ser oídas a una hora más temprana que en la Costa Este. Su actuación en el Palomar Ballroom cerca de Los Ángeles el 21 de agosto de 1935 fue un éxito espectacular, recordado como el comienzo de la era del swing. Se trasladó durante seis meses a vivir al Congress Hotel en Chicago, empezando en noviembre. En 1936 compuso 15 éxitos, entre los que estaban "It's Been So Long", "Goody-Goody", "The Glory of Love", "These Foolish Things Remind Me of You" y "You Turned the Tables on Me" (todos cantados por Helen Ward). Se convirtió en el protagonista de la serie radiofónica The Camel Caravan, que duró hasta finales de 1939. En octubre de 1936 la orquesta hizo su debut cinematográfico en la película The Big Broadcast de 1937. El mismo mes, Goodman empezó a vivir en el Pennsylvania Hotel en Nueva York.


El siguiente gran éxito de Goodman en febrero de 1937 lo consiguió con la participación como cantante de Ella Fitzgerald y como trompetista de Harry James. Fue el primero de seis grandes éxitos durante esos años, entre los que estaban "This Year's Kisses" (cantado por Margaret McCrae). En diciembre, la orquesta apareció en otra película, Hollywood Hotel.


Concierto en el Carnegie Hall


El punto más alto de popularidad de Goodman lo alcanzó el 16 de enero de 1938 cuando dio un concierto en el Carnegie Hall; a lo largo de ese año consiguió numerosos éxitos, como "Don't Be That Way" (instrumental), "I Let a Song Go out of My Heart" (cantado por Martha Tilton) y "Sing, Sing, Sing (With a Swing)", que más tarde entraría en el Grammy Hall of Fame.


Cambios en su orquesta y nuevas apariciones


Hacia 1939, Goodman había perdido a importantes músicos como Gene Krupa y Harry James, que se habían encaminado a crear sus propias orquestas; por lo demás, la competencia seria apareció con las bandas de Artie Shaw y Glenn Miller. No obstante, Goodman consiguió nuevos éxitos durante ese año, tales como "And the Angels Sing" (cantado por Martha Tilton), también situado en el Salón de la Fama Grammy. Regresó a Columbia Records. En noviembre, apareció en el musical de Broadway Swingin' the Dream, liderando un sexteto. El espectáculo duró poco, pero le proporcionó un nuevo éxito en marzo de 1940 con la canción "Darn That Dream" (cantada por Mildred Bailey). Ese año sólo consiguió tres éxitos debido, en parte, a una enfermedad que le llevó a operarse de una hernia discal. En 1941, ya recuperado, consiguió posicionar dos nuevas composiciones, una de los cuales fue "There'll Be Some Changes Made" (cantado por Louise Tobin), y regresó a la radio con su propio programa. Entre sus éxitos de 1942 estaban "Somebody Else Is Taking My Place" (cantado por Peggy Lee) y el tema instrumental "Jersey Bounce". Apareció también en la película Syncopation.




En 1943, con material grabado tiempo atrás ante la imposibilidad de grabar en esa época tras la entrada de Estados Unidos en la Guerra, Goodman consiguió dos grandes éxitos, uno de ellos con "Taking a Chance on Love" (cantado por Helen Forrest). Su tiempo libre lo empleó para trabajar en películas, apareciendo en tres durante ese año: The Powers Girl, Stage Door Canteen y The Gang's All Here.


Goodman disolvió su orquesta en 1944. Apareció en la película Sweet and Low-Down en septiembre y actuó con un quinteto en la revista de Broadway Seven Lively Arts, debutando el 7 de diciembre y alcanzado 182 representaciones. En abril de 1945 su recopilatorio Hot Jazz fue un gran éxito. Reorganizó también su orquesta, produciendo temas muy exitosos como "Gotta Be This or That" (cantado por él mismo), "Symphony" (cantado por Liza Morrow), etc. Goodman protagonizó una serie radiofónica con Víctor Borge en 1946-1947, y continuó grabando tras firmar con Capitol Records. Apareció en la película A Song Is Born en 1948 y empezó a experimentar con el bebop. A finales de 1949 disolvió de nuevo su orquesta y volvió a organizar grupos temporalmente para giras y sesiones de grabación. Murió en Nueva York, en 1986 a la edad de 77 años.


Otros aspectos importantes


Con Lionel Hampton


Uno de sus mayores momentos, y uno de los momentos más importantes de la historia musical de los EE. UU. se produjo gracias a su amistad con Lionel Hampton y Teddy Wilson, con los cuales hizo la primera actuación pública de músicos interraciales. La leyenda dice que conoció a Lionel Hampton (vibrafonista) cuando desayunaba en la cafetería donde este trabajaba como camarero, cocinero, cantante e intérprete. Junto con Artie Shaw (judío), Django Reinhardt (gitano) y Lionel Hampton (negro) se convirtió en uno de los símbolos de la apertura cultural y la tolerancia, y de cómo la música no entiende prejuicios.


Goodman y la música clásica


Diversos músicos del mundo clásico compusieron obras para él. Así, Aaron Copland le dedicó su Concierto para clarinete (1947), como también lo hicieron Béla Bartók con la obra Contrastes para violín, clarinete y piano, Paul Hindemith con el Concierto para clarinete (1947) y Malcolm Arnold con el Concierto n.º 2 para clarinete (1974).


Tras una carrera llena de éxitos y de actuaciones con los intérpretes y cantantes más importantes del jazz, Peggy Lee, Ella Fitzgerald, Gene Krupa, Martha Tilton, murió en Nueva York, en 1986.


Bandas sonoras


Se le ha referenciado en diversas películas, siendo un habitual de las bandas sonoras de Woody Allen, e incluso en películas como Swing Kids ("Los rebeldes del swing") es el Leitmotiv que dirige a los personajes.


En 1955 se estrenó una película sobre su vida, The Benny Goodman Story​ protagonizada por Steve Allen y Donna Reed, y producida por Universal-International, como continuación del gran éxito de 1954, The Glenn Miller Story. El guion introdujo un gran número de elementos de ficción, pero la música era la escrita originalmente. Muchos de los compañeros de Goodman aparecían en la película, incluidos Ben Pollack, Gene Krupa, Lionel Hampton y Harry James.

miércoles, 17 de mayo de 2023

Jackie McLean nacía hace 91 años.

 



Jackie McLean nació en Nueva York, el 17 de mayo de 1932 y fue saxofonista alto, compositor y educador de jazz.


Historial


Su padre, John Sr., que murió en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw; tras su muerte, su madre le apunta a los cursos de la New York School of Music y, más tarde, en 1944, su padrastro, propietario de una tienda de discos, le descubre a Charlie Parker y al resto de los boppers. McLean tenía por vecinos a Kenny Drew, Andy Kirk y Sonny Rollins. También vivía cerca un hermano de Bud Powell, a través del cual recibe clases del pianista. Después, tocará con él en el Birdland (1949) y, recomendado por Powell, trabaja dos temporadas con Miles Davis (1951-1952), grabando con él. Su compañero de sección en el quinteto de Davis de aquella época fue el saxo tenor Sonny Rollins.​ Tocará también con Thelonious Monk y sustituirá a Charlie Parker en algunos conciertos, lo que le generará, durante mucho tiempo, una cierta reputación de imitador de Parker.​ Después, tocará con Charles Mingus (1955-1956).


Su primer álbum como líder, lo publicará Prestige, con Donald Byrd, Doug Watkins, Elmo Hope y otros. Después, tocará en los Jazz Messengers de Art Blakey (1956-1957). Problemas sindicales le impiden tocar en directo desde ese año, hasta 1961, aunque desarrollará una activa carrera como músico de sesión para Prestige. También durante esa época, graba con Sonny Clark para Blue Note (1958) y con otros grupos, entre ellos Art Taylor y Bill Hardman, Tony Williams, Roy Haynes, Bobby Hutcherson, etc. En 1959 trabaja como músico y actor en The Connection una obra del off Broadway original de Jack Gelber, llevada al cine por Shirley Clarke, en la cual representaba el papel, autobiográfico, de un drogadicto.


Desde 1959 a 1967 graba 21 álbumes para Blue Note, todos de gran nivel​ y que representan una evolución que Charlie Parker no pudo hacer por su desaparición y no se aventuran por las zonas experimentales que Ornette Coleman quiso recorrer. Quizá el más destacado es el último de la serie, Demon's Dance que acredita su dominio absoluto de las bases rítmicas del jazz moderno. Tras una estancia en París, regresa a Estados Unidos y graba nuevos discos como líder (1963). Recuperadas sus licencias sindicales para tocar, forma su propio grupo, que incluye a Larry Willis y Billy Higgins, con quienes gira hasta 1966. El grupo se deshace al ser condenado McLean por uso de estupefacientes.


Tras salir de la cárcel, McLean tocará con Herbie Hancock, Woody Shaw, Kenny Dorham, Hank Mobley y Ornette Coleman, entre otros músicos. Coleman se convierte en su influencia principal a partir de entonces. En esta época (1967), McLean se convierte al Islam y abandona totalmente las drogas, dejando temporalmente la escena jazzística, para estudiar flauta y dar cursos de reeducación para toxicómanos. Este retiro durará hasta 1973, cuando publica varios discos simultáneamente, algunos de ellos con Gary Bartz y Dexter Gordon. Después, fundaría el Colectivo de Artistas, asociación para enseñanza de música en la comunidad negra. En los últimos años 1970, McLean grabará para RCA y se acercará al jazz rock y al funk, tocando con Hiram Bullock, Will Lee, Steve Jordan y otros.


En los años 1980 regresará al bop, tocando con Hank Jones, Ron Carter, Tete Montoliu, Woody Shaw, McCoy Tyner... Después, se dedicaría a la enseñanza en Hartford, tanto en la universidad como en su propio Colectivo de Artistas. Sus últimas bandas estuvieron formadas por alumnos de ambos centros (Steve Davis y Mark Berman, entre ellos).


Entre los grandes del saxo alto destaca por su sonido único de fuerte personalidad, siempre en primer plano, algo agresivo y cortante, pero dueño de los secretos de la rítmica y conocedor de los límites a que puede llegar la expresión jazzística por su cercanía a Ornette Coleman. Su paso por el quinteto de Miles Davis fortaleció su sonido para diferenciarlo del de Charlie Parker al cual hasta entonces clonaba. Él mismo dice de sus raíces: "Enorgullece decir que mi currículum musical procede de las universidades de Bud Powell, Miles Davis, Charles Mingus, Art Blakey y, por supuesto, Bird. Gran parte de mis inicios en el jazz transcurrieron en la casa de Monk, que ha sido un estimado amigo durante años."


Discografía


Como líder

Ad Lib

Presenting Jackie McLean (1955)

Prestige

Lights Out! (1956)

4, 5 and 6 (1956)

Jackie's Pal (1956)

McLean's Scene (1957)

Jackie McLean & Co. (1957)

Makin' the Changes (1957)

A Long Drink of the Blues (1957)

Strange Blues (1957)

Alto Madness (1957)

Jubilee

Fat Jazz (1957)

The Complete Jubilee Sessions (Lone Hill Jazz, 2008)

Blue Note

New Soil (1959)

Swing, Swang, Swingin' (1959)

Capuchin Swing (1960)

Jackie's Bag (1959–60)

Bluesnik (1961)

A Fickle Sonance (1961)

Let Freedom Ring (1962)

Tippin' the Scales (1962)

Vertigo (1962–63)

One Step Beyond (1963)

Destination... Out! (1963)

It's Time! (1964)

Action Action Action (1964)

Right Now! (1965)

Jacknife (1965)

Consequence (1965, released 1979)

Hipnosis (1967)

New and Old Gospel (1967)

'Bout Soul (1967)

Demon's Dance (1967)

One Night with Blue Note Preserved Volume 2 (1985) con Woody Shaw, McCoy Tyner, Cecil McBee y Jack DeJohnette

McCoy Tyner – It's About Time (1985)

Junko Onishi – Hat Trick (Somethin' Else (J), 1996)

Fire & Love (Somethin' Else, 1998)

Nature Boy (2000)

SteepleChase

Dr. Jackle (1966 [1979])

Live at Montmartre (1972)

Ode to Super (1973)

A Ghetto Lullaby (1974)

The Meeting con Dexter Gordon (1974)

The Source con Dexter Gordon (1974)

Antiquity (1975) con Michael Carvin

New York Calling (1975) con the Cosmic Brotherhood

Contour (1980)

Dynasty (1990)

Otros

The Great Jazz Trio – New Wine in Old Bottles (East Wind (J), 1978)

Monuments (RCA, 1979)

The Jackie Mac Attack Live (1991)

Rhythm of the Earth (Dreyfus, 1992)


Como sideman


Con Gene Ammons


The Happy Blues (Prestige, 1956)

Jammin' with Gene (Prestige, 1956)

Funky (Prestige, 1957)

Jammin' in Hi Fi with Gene Ammons (Prestige, 1957)

Con Art Blakey


Hard Bop (Columbia, 1956)

Originally (Columbia, 1956 [1982])

Drum Suite (Columbia, 1956)

Ritual (Pacific Jazz, 1957)

Tough! (Cadet, 1957 [1966])

Con Kenny Burrell


2 Guitars with Jimmy Raney (Prestige, 1957)

Con Donald Byrd


2 Trumpets (Prestige, 1956) – con Art Farmer

Off to the Races (Blue Note, 1958)

Fuego (Blue Note, 1959)

Byrd in Flight (Blue Note, 1960)

Con Sonny Clark


Cool Struttin' (Blue Note, 1958)

Con Miles Davis


Dig (Prestige, 1951)

Quintet / Sextet (Prestige, 1955)

Con Walter Davis Jr.


Davis Cup (Blue Note, 1959)

Con Kenny Dorham


Inta Somethin' (1961)

Matador (1962)

Con Ray Draper


Tuba Sounds (Prestige, 1957)

Con Dizzy Gillespie


Bird Songs: The Final Recordings (Telarc, 1992)

To Bird with Love (Telarc, 1992)

Con Charles Mingus


Pithecanthropus Erectus (Atlantic, 1956)

Blues and Roots (Atlantic, 1958)

Con Hank Mobley


Mobley's Message (Blue Note, 1956)

Hi Voltage (Blue Note, 1967)

Con Grachan Moncur III


Evolution (Blue Note, 1963)

Con Lee Morgan


Lee-Way (Blue Note, 1960)

Tom Cat (Blue Note, 1964)

Cornbread (Blue Note, 1965)

Infinity (Blue Note, 1965)

Charisma (Blue Note, 1966)

The Sixth Sense (Blue Note, 1967)

Con Freddie Redd


The Connection (1960)

Shades of Redd (Blue Note, 1960)

Redd's Blues (Blue Note, 1961)

Con Jimmy Smith


Open House (Blue Note, 1960)

Plain Talk (Blue Note, 1960 [1968])

Con Art Taylor


Taylor's Wailers (Prestige, 1957)

Con Mal Waldron


Mal/2 (Prestige, 1957)

Like Old Time (1976)

Left Alone '86 (1986)

Con Jack Wilson


Easterly Winds (Blue Note, 1967)

Con Michael Carvin


Antiquity (1975)


Filmografía


The Connection, como él mismo (Dir. Shirley Clarke)

Jackie McLean on Mars (1980), como él mismo (Dir. Ken Levis) http://vimeo.com/12192828

Ken Burns' Jazz (2000), como él mismo (Dir. Ken Burns)